28.11.08
Performance Vb62. 2008. Palermo. Vanessa Beecroft. Homenaje LvsJ
Photo, selection of images and texts LvsJ. Model: Ben25.11.08
25 de noviembre. Día Internacional Contra la Violencia de Género.
Diseño de marcapáginas: Ana Ventura24.11.08
Mujeres en la Ciudad: Barbara Kruger y Jenny Holzer
Jenny Holzer. Don‚ Äôt Talk Down to Me, Selection from Inflammatory Essays, 1979-82. Offset poster. ¬© 2008 Jenny Holzer, Artists Rights Society (ARS), NY.
Jenny Holzer. Destruye, Selection from Inflammatory Essays, 1979-82. Offset poster. ¬© 2008 Jenny Holzer, Artists Rights Society (ARS), NY.Peio Irazu. La esquina, pliegue del espacio, refugio débil.
EL MALESTAR. 2008. Peio Irazu
CUSTODIO. 2008.Peio Irazu
VIOLENCIA. 2007. Peio Irazu
STRIKE. 2007. Peio Irazu
SIMPLY CLEVER. 2007. Peio Irazu
SÚCUBO. 2008. Peio Irazu
TETRARCAS. 2008. Peio Irazu
ORTODOXIA. 2007. Peio Irazu
VIOLENCIA. 2007. Peio Irazu
EL MALESTAR. 2008. Peio Irazu
303 SUTURA. 2008. Peio IrazuTrabajamos en la oscuridad, hacemos todo lo que podemos, damos lo que tenemos. Nuestra duda es nuestra pasión y nuestra pasión es nuestra tarea. El resto es la locura del arte.
JLG
Una mujer con melena corre por el asfalto. Corre rodeando el pretil de una plaza, perseguida por un hombre corpulento armado con un cuchillo. Corre descalza y con los brazos levantados recordando a una mujer de Picasso. Después de dar varias vueltas se dirige hacia donde yo me encuentro acosada por el hombre del cuchillo. Entra en el soportal y se acurruca a mi izquierda buscando cobijo-protección en una esquina.
La esquina, como la escultura, es el lugar seguro (recuerdo a Beuys y Tatlin), yo habito ese lugar, un refugio próximo a mi inmovilidad, mitad abierto mitad cerrado. Un lugar para el encuentro, un pliegue para resguardarse, un espacio ya habitado esperando al visitante.
La escultura, como la esquina, me protege, desde ella puedo observar, percibir y negociar con la realidad, me permite fluir con el mundo.
Y en este flujo, un desafío: ¿Cómo hacer que los procesos (vitales, estéticos,..) no queden ocultos?, ¿cómo hacer que el lenguaje revele el andamiaje (imaginario) permitiéndome mostrar lo que soy?: una entidad abierta, un proceso en continuo cambio, un fluido?
Escultura: Escoger el punto de cristalización, muchos momentos de cristalización.
¿Lo incompleto?
JLG
Una mujer con melena corre por el asfalto. Corre rodeando el pretil de una plaza, perseguida por un hombre corpulento armado con un cuchillo. Corre descalza y con los brazos levantados recordando a una mujer de Picasso. Después de dar varias vueltas se dirige hacia donde yo me encuentro acosada por el hombre del cuchillo. Entra en el soportal y se acurruca a mi izquierda buscando cobijo-protección en una esquina.
La esquina, como la escultura, es el lugar seguro (recuerdo a Beuys y Tatlin), yo habito ese lugar, un refugio próximo a mi inmovilidad, mitad abierto mitad cerrado. Un lugar para el encuentro, un pliegue para resguardarse, un espacio ya habitado esperando al visitante.
La escultura, como la esquina, me protege, desde ella puedo observar, percibir y negociar con la realidad, me permite fluir con el mundo.
Y en este flujo, un desafío: ¿Cómo hacer que los procesos (vitales, estéticos,..) no queden ocultos?, ¿cómo hacer que el lenguaje revele el andamiaje (imaginario) permitiéndome mostrar lo que soy?: una entidad abierta, un proceso en continuo cambio, un fluido?
Escultura: Escoger el punto de cristalización, muchos momentos de cristalización.
¿Lo incompleto?
Peio Irazu
¿Y cómo sentirnos completos en este universo de suturas, en esta urdimbre de cicatrices?
Luce Irigaray
21.11.08
Yarisal & Kublitz. ¿Pasividad - agresividad - ira - liberación - máquina?
Una máquina expendedora de porcelana china es uno de los artilugios creados por los artistas Katja Kublitz y Ronnie Yarisal. Después de introducir la moneda, podemos elegir uno de esos objetos de porcelana kitsch, para inmediatamente observar como nuestro fetiche -¿nuestro deseo?- cae hecho añicos en la parte inferior, estrellado por la cotidiana acción de expender el producto. ¿Voluntaria torpeza del consumidor?, ¿ira y deseo destructivo o viceversa?
A pesar de su juventud (aún no han cumplido 30 años) estos artistas han participado en varias exposiciones individuales, una en la JLV Gallery de Londres (en 2003 y 2004), en el 2005 fueron premiados con el premio danés “Diesel New Art” de escultura, también han participado en “The Building Show” y en la colectiva de Exit Art de Nueva York en el 2007, además de su última exposición individual en el Kunstverein en Weisbaden (Alemania, 27 de abril - 8 de junio de este año).
Su trabajo consiste en la materialización de "metáforas visuales", a partir de situaciones de la vida cotidiana, así utilizan objetos comunes (tablas de madera, globos, alambres eléctricos, etc.) con los que a menudo acontecen situaciones tragicocómicas.
Además de la clara referencia a la fragilidad y la caducidad de los elementos, metáfora de la belleza o el amor, plantean otros aspectos menos evidentes: un sometimiento a la propia y trágica incapacidad de manipulación de las personas a través de la invitación a la intervención, pero al mismo tiempo ofreciéndonos una vía de escape, una evasión del flujo de nuestra vida doméstica- domesticada.
El público, en relación con los objetos mantiene una doble función, de agente activo y pasivo: por un lado, los espectadores estamos invitados a interactuar (a través de ciertas maquinaciones, a encontrarnos con nosotros mismos como protagonistas de las acciones que más tarde se convertirán en un audiovisual), y por otra parte, y una vez que los mecanismos se hayan activado, nos encontraremos completamente privados de cualquier posibilidad de intervención o de control, convirtiéndonos en el objeto pasivo.
La fuerza de sus obras radica en su capacidad de reinterpretación y de traducción, con gran ironía, de los pequeños y no tan pequeños acontecimientos de la vida cotidiana con artilugios muy simples consiguiendo provocar y revelar algunas de nuestras ansiedades, manías y fobias y poniendo en evidencia algunos de los aspectos de nuestra frenética vida contemporánea .
No podeís dejar de visitar su divertida web.
A pesar de su juventud (aún no han cumplido 30 años) estos artistas han participado en varias exposiciones individuales, una en la JLV Gallery de Londres (en 2003 y 2004), en el 2005 fueron premiados con el premio danés “Diesel New Art” de escultura, también han participado en “The Building Show” y en la colectiva de Exit Art de Nueva York en el 2007, además de su última exposición individual en el Kunstverein en Weisbaden (Alemania, 27 de abril - 8 de junio de este año).
Su trabajo consiste en la materialización de "metáforas visuales", a partir de situaciones de la vida cotidiana, así utilizan objetos comunes (tablas de madera, globos, alambres eléctricos, etc.) con los que a menudo acontecen situaciones tragicocómicas.
Además de la clara referencia a la fragilidad y la caducidad de los elementos, metáfora de la belleza o el amor, plantean otros aspectos menos evidentes: un sometimiento a la propia y trágica incapacidad de manipulación de las personas a través de la invitación a la intervención, pero al mismo tiempo ofreciéndonos una vía de escape, una evasión del flujo de nuestra vida doméstica- domesticada.
El público, en relación con los objetos mantiene una doble función, de agente activo y pasivo: por un lado, los espectadores estamos invitados a interactuar (a través de ciertas maquinaciones, a encontrarnos con nosotros mismos como protagonistas de las acciones que más tarde se convertirán en un audiovisual), y por otra parte, y una vez que los mecanismos se hayan activado, nos encontraremos completamente privados de cualquier posibilidad de intervención o de control, convirtiéndonos en el objeto pasivo.
La fuerza de sus obras radica en su capacidad de reinterpretación y de traducción, con gran ironía, de los pequeños y no tan pequeños acontecimientos de la vida cotidiana con artilugios muy simples consiguiendo provocar y revelar algunas de nuestras ansiedades, manías y fobias y poniendo en evidencia algunos de los aspectos de nuestra frenética vida contemporánea .
No podeís dejar de visitar su divertida web.
Maria Church
YarisalKublitz
20.11.08
Joseph Beuys. La escultura social.
“Cada hombre es un artista. En cada hombre existe una facultad creadora virtual. Esto no quiere decir que cada hombre sea un pintor o un escultor, sino que existe una creatividad latente en todas las esferas del trabajo humano”.
"La creatividad no está limitada a aquellos que ejercen una de las artes tradicionales, e incluso en éstos no se limita al ejercicio de su arte. Hay en todos un potencial de creatividad que queda cubierto por medio de la agresión de la competencia y del éxito. El descubrir, investigar y desarrollar este potencial debe ser tarea de la escuela. La política es arte también en este sentido: no como el ‘arte de lo posible’ sino de la liberación de todas las fuerzas creativas".
“A mi juicio, el arte ha llegado a un término, toca a su fin y ahora comienza un periodo en que asoma la necesidad de un arte social”.
“…La Humanidad se encuentra probablemente en la crisis más grave que tal vez haya conocido en toda su historia. El problema de la supervivencia sobrepasa el problema de la salud del hombre y concierne a la seguridad de todo el planeta. Se trata de un peligro planetario”.
“La vanguardia es ciertamente una reacción contra lo que ya existe, mas no se limita a una reacción brutal que sólo consistiría en criticarlo todo por espíritu de contradicción, sino que propone, en cambio, un nuevo proyecto para conducir a la sociedad en su conjunto hacia una nueva forma”.
"Mi concepto de arte es muy amplio, y en último término se refiere a todas las personas. No obstante, no voy tan lejos como para afirmar que, por este motivo, cualquier persona pueda entrar en la Academia, ya que esta Academia es, por supuesto, una escuela que ha de desarrollar una tendencia concreta dentro de esta voluntad creativa de todos los seres humanos. La Academia de Bellas Artes tiene que ocuparse de las posibilidades artísticas de la persona, ya sean ópticas, móviles o incluso acústicas. Pero tiene que trabajar con los medios que pueden expresar algo en el ámbito de lo que se ha dado en llamar pintura, escultura, música, literatura, etc. Mi concepto de arte en realidad es tal que, por así decirlo, abarca todo el ámbito político. Su objetivo es que el ser humano determine las cosas del mundo, se determine a sí mismo. Evidentemente, esta idea incluye también la ciencia, se trata de algo absolutamente interdisciplinar. Se trata de que arte y ciencia, en su conjunto, se practiquen en primer lugar en el proceso de formación, en todo el ámbito educativo.
En este ámbito, la persona aprende a determinarse a sí misma. Sólo a partir de aquí se desarrolla la libre autodeterminación del ser humano; y es por eso que considero este concepto de arte revolucionario, una vez que se ha ampliado totalmente. A partir de entonces estoy dispuesto a especializar y dividir el concepto: en un momento determinado de su biografía, cada uno ha de convertirse en un especialista en el mundo de la división del trabajo. Entonces uno se decide a estudiar física, otro estudiará pintura, el tercero será enfermero, etc.
Pero antes de tomar tal decisión hacia la especialización, las personas deben haberse desarrollado en este concepto del arte total, es decir, en la idea de que a partir de las capacidades humanas del pensamiento, el sentimiento y la voluntad puede crearse una persona que a su vez puede determinar algo; esta persona hay que crearla. ¿Y ahora? ¿Qué va a pasar ahora? ¿Qué idea tenéis vosotros de lo que va a pasar?"
Extracto de una entrevista a Joseph Beuys realizada por Peter Holffreter, Susanne Ebert, Manfred König y Eberhard Schweigert. Düsseldorf, 1973.
Incarnation Dés"La creatividad no está limitada a aquellos que ejercen una de las artes tradicionales, e incluso en éstos no se limita al ejercicio de su arte. Hay en todos un potencial de creatividad que queda cubierto por medio de la agresión de la competencia y del éxito. El descubrir, investigar y desarrollar este potencial debe ser tarea de la escuela. La política es arte también en este sentido: no como el ‘arte de lo posible’ sino de la liberación de todas las fuerzas creativas".
“A mi juicio, el arte ha llegado a un término, toca a su fin y ahora comienza un periodo en que asoma la necesidad de un arte social”.
“…La Humanidad se encuentra probablemente en la crisis más grave que tal vez haya conocido en toda su historia. El problema de la supervivencia sobrepasa el problema de la salud del hombre y concierne a la seguridad de todo el planeta. Se trata de un peligro planetario”.
“La vanguardia es ciertamente una reacción contra lo que ya existe, mas no se limita a una reacción brutal que sólo consistiría en criticarlo todo por espíritu de contradicción, sino que propone, en cambio, un nuevo proyecto para conducir a la sociedad en su conjunto hacia una nueva forma”.
Joseph Beuys
"Mi concepto de arte es muy amplio, y en último término se refiere a todas las personas. No obstante, no voy tan lejos como para afirmar que, por este motivo, cualquier persona pueda entrar en la Academia, ya que esta Academia es, por supuesto, una escuela que ha de desarrollar una tendencia concreta dentro de esta voluntad creativa de todos los seres humanos. La Academia de Bellas Artes tiene que ocuparse de las posibilidades artísticas de la persona, ya sean ópticas, móviles o incluso acústicas. Pero tiene que trabajar con los medios que pueden expresar algo en el ámbito de lo que se ha dado en llamar pintura, escultura, música, literatura, etc. Mi concepto de arte en realidad es tal que, por así decirlo, abarca todo el ámbito político. Su objetivo es que el ser humano determine las cosas del mundo, se determine a sí mismo. Evidentemente, esta idea incluye también la ciencia, se trata de algo absolutamente interdisciplinar. Se trata de que arte y ciencia, en su conjunto, se practiquen en primer lugar en el proceso de formación, en todo el ámbito educativo.
En este ámbito, la persona aprende a determinarse a sí misma. Sólo a partir de aquí se desarrolla la libre autodeterminación del ser humano; y es por eso que considero este concepto de arte revolucionario, una vez que se ha ampliado totalmente. A partir de entonces estoy dispuesto a especializar y dividir el concepto: en un momento determinado de su biografía, cada uno ha de convertirse en un especialista en el mundo de la división del trabajo. Entonces uno se decide a estudiar física, otro estudiará pintura, el tercero será enfermero, etc.
Pero antes de tomar tal decisión hacia la especialización, las personas deben haberse desarrollado en este concepto del arte total, es decir, en la idea de que a partir de las capacidades humanas del pensamiento, el sentimiento y la voluntad puede crearse una persona que a su vez puede determinar algo; esta persona hay que crearla. ¿Y ahora? ¿Qué va a pasar ahora? ¿Qué idea tenéis vosotros de lo que va a pasar?"
Extracto de una entrevista a Joseph Beuys realizada por Peter Holffreter, Susanne Ebert, Manfred König y Eberhard Schweigert. Düsseldorf, 1973.
http://www.uclm.es/cdce/sin/sin5/Beuys.htm
16.11.08
One and Three Chairs
Joseph Kosuth, One and Three Chairs, 1965
Art as Idea: Water, 1966. Fotografía 48 x 48 pulgadas. Solomon R. Guggenheim Museum Joseph Kosuth, en una cita pronunciada en 1969 resume la proposición del arte conceptual: "El 'valor' de los artistas en particular después de Duchamp puede pesarse en función de lo mucho que pusieron en duda la naturaleza del arte."
Para Kosuth, el arte moderno es esencialmente auto-reflexivo, su intención es interrogar su propia esencia y condición, a definir el concepto de arte. Ya no es una cuestión de la producción de objetos bellos, sino de la creación de problemas o problematización de los objetos artísticos, funciones, etc.
Duchamp, por exhibir un urinario en un museo, hizo precisamente eso: obligó al espectador a considerar en qué condiciones, algo es designado como "arte".
En respuesta a la pregunta que planteaba Duchamp, Kosuth responde que el arte existe como idea del artista y no en el objeto en sí. Sin embargo, Kosuth no afronta la paradoja: como artista, está señalado para producir objetos y, sin embargo, construye objetos que pretenden liberarse de sus identidades objetuales y convertirse en puras ideas.
En "Una y tres sillas" (1965), muestra una fotografía de una silla, una silla real, y una definición de diccionario de la palabra "silla". La pieza distingue entre los tres aspectos involucrados en la percepción de una obra de arte: la representación visual de una cosa (la fotografía de la silla), su referente real (la silla), y su concepto intelectual (la definición del diccionario). Realidad, su imagen, y el concepto: las tres "partes" de una cosa percibida.
En obras posteriores, Kosuth omite las dos primeras, dejándonos sin nada más que el concepto, redujo su arte a las definiciones de arte. En 1966 Kosuth exhibió la definición de diccionario de la palabra "pintura" como simple texto.
El trabajo, titulado "Art as Idea as Idea" - "El arte como idea como idea", muestra la progresión de la realidad a idea, a partir de la imagen hacia la abstracción y la abstracción en un proceso continuo de nuevo hacia la abstracción. Como el título sugiere, el arte se convierte en una infinita especulación sobre sí mismo, en la que el "referente" - el objeto en sí - es progresivamente trascendido. Se convierte en una idea y, a continuación, en una idea de una idea. Un axioma que se repite como un bucle infinito.
Desde el punto de vista de que una idea no es un bien susceptible de mercantilización según Kosuth, el arte se puede permitir deslizarse más allá del museo, para convertirse en verdaderamente público. Kosuth se estrella - ¿pero realmente se estrella?- ante el intento de difundir la“ idea” inherente a su obra, a explorar la naturaleza del arte y conducirlo a su desmaterialización y hacerlo destinatario de un público, lo más amplio posible. Kosuth, de hecho estaba abocado a la producción de objetos reales, que existen hoy en museos y colecciones privadas.
A pesar de todos los intentos de reducir el arte a la idea de arte, el objeto permanece. Es inevitable su particular materialidad, como un resto irreductible, que se obstina en la misma raíz de la firme idealización del arte de Kosuth.
Pero es gracias a Kosuth, entre otros, el que hoy podamos realizar nuestra particular versión de su idea, podamos penetrar de forma libre y soberana en su obra - no tanto en su versión objetualizada como en su versión desmaterializada-, podamos visualizar, de la misma manera que él lo hizo, una cosa, su representación y su definición, podamos reproducir hasta la extenuación su silla y Kosuth, estoy seguro, encontrará en nosotros a unos agradecidos e inmateriales bucles.
L. M. Iglesia
Para Kosuth, el arte moderno es esencialmente auto-reflexivo, su intención es interrogar su propia esencia y condición, a definir el concepto de arte. Ya no es una cuestión de la producción de objetos bellos, sino de la creación de problemas o problematización de los objetos artísticos, funciones, etc.
Duchamp, por exhibir un urinario en un museo, hizo precisamente eso: obligó al espectador a considerar en qué condiciones, algo es designado como "arte".
En respuesta a la pregunta que planteaba Duchamp, Kosuth responde que el arte existe como idea del artista y no en el objeto en sí. Sin embargo, Kosuth no afronta la paradoja: como artista, está señalado para producir objetos y, sin embargo, construye objetos que pretenden liberarse de sus identidades objetuales y convertirse en puras ideas.
En "Una y tres sillas" (1965), muestra una fotografía de una silla, una silla real, y una definición de diccionario de la palabra "silla". La pieza distingue entre los tres aspectos involucrados en la percepción de una obra de arte: la representación visual de una cosa (la fotografía de la silla), su referente real (la silla), y su concepto intelectual (la definición del diccionario). Realidad, su imagen, y el concepto: las tres "partes" de una cosa percibida.
En obras posteriores, Kosuth omite las dos primeras, dejándonos sin nada más que el concepto, redujo su arte a las definiciones de arte. En 1966 Kosuth exhibió la definición de diccionario de la palabra "pintura" como simple texto.
El trabajo, titulado "Art as Idea as Idea" - "El arte como idea como idea", muestra la progresión de la realidad a idea, a partir de la imagen hacia la abstracción y la abstracción en un proceso continuo de nuevo hacia la abstracción. Como el título sugiere, el arte se convierte en una infinita especulación sobre sí mismo, en la que el "referente" - el objeto en sí - es progresivamente trascendido. Se convierte en una idea y, a continuación, en una idea de una idea. Un axioma que se repite como un bucle infinito.
Desde el punto de vista de que una idea no es un bien susceptible de mercantilización según Kosuth, el arte se puede permitir deslizarse más allá del museo, para convertirse en verdaderamente público. Kosuth se estrella - ¿pero realmente se estrella?- ante el intento de difundir la“ idea” inherente a su obra, a explorar la naturaleza del arte y conducirlo a su desmaterialización y hacerlo destinatario de un público, lo más amplio posible. Kosuth, de hecho estaba abocado a la producción de objetos reales, que existen hoy en museos y colecciones privadas.
A pesar de todos los intentos de reducir el arte a la idea de arte, el objeto permanece. Es inevitable su particular materialidad, como un resto irreductible, que se obstina en la misma raíz de la firme idealización del arte de Kosuth.
Pero es gracias a Kosuth, entre otros, el que hoy podamos realizar nuestra particular versión de su idea, podamos penetrar de forma libre y soberana en su obra - no tanto en su versión objetualizada como en su versión desmaterializada-, podamos visualizar, de la misma manera que él lo hizo, una cosa, su representación y su definición, podamos reproducir hasta la extenuación su silla y Kosuth, estoy seguro, encontrará en nosotros a unos agradecidos e inmateriales bucles.
L. M. Iglesia
Otto Dix - Fatiga metálica / Усталость Металла. Dark Wave ruso.
Otto Dix es una banda rusa que toma el nombre del artista expresionista alemán formada en el 2004, Slip, compositor y teclista y Draw, letrista y cantante. Su primer concierto se llevó a cabo en la ciudad rusa de Khabarovsk y en el 2006 se instalan en San Petesburgo.
Entre sus influencias mencionan a Das Ich, Deine Lakaien, Rammstein y a Jean Michael Jarre.
Incarnation Dés
Entre sus influencias mencionan a Das Ich, Deine Lakaien, Rammstein y a Jean Michael Jarre.
Incarnation Dés
15.11.08
Brian Biedul
Rectangles 1-10. Óleos sobre lienzo 132 x 81 cm.
Squares 1-5. Óleos sobre lienzo 97 x 97 cm.El desarrollo artístico de Brian Biedul, Colorado Springs 1955, se puede dividir en varios períodos muy diferentes. En sus primeros años realizó pinturas de corte figurativo tradicional. Más tarde su trabajo pictórico le llevó a la abstracción, después siguió con un período transitorio de trabajos con instalaciones y obras earthworks. Fue aquí cuando comenzó la exploración en lo que él llama Arquitectura Teórica. En 1994 creó un artista ficticio para una película titulada "Lazlo: A Portrait of the Artist In White" (Biedul fué co-creador con Paul Binkley de este cortometraje, reflexión crítica sobre el arte contemporáneo). Biedul, después de la película, descubrió que todo su cuerpo de trabajo, incluida la documentación había sido destruida en un accidente. Como resultado de ello, abandonó la creación por un periodo de ocho años. Fue la muerte de un amigo personal lo que lo llevó de vuelta a su pasión. "La verdad sobre el arte radica en los artistas, en la posibilidad de ver el mundo de forma aguda. El dibujo y la pintura es lo que mantiene la claridad del ojo artístico".
Combinando su pasión por la fórmula de exploración en la arquitectura teórica, comenzó a trabajar en los espacios, en tres series. La primera serie se fundamenta en el rectángulo utilizando la figura humana para articular ese espacio.
"En esta primera fase de la serie en tres partes, he decidido utilizar tradicional óleo sobre lienzo como mi medio. El borde del lienzo se convierte en el umbral, para articular el espacio en las dos dimensiones que necesitaba una imagen. La forma humana es la elección ideal, porque los límites del cuerpo humano se entienden universalmente, (...). En la segunda fase de la serie cuadrados estoy utilizando el tradicional óleo sobre lienzo como medio. En la fase final , tercera serie, los espacios serán grandes esculturas en bronce en cubos de 78", que se articularán de nuevo por la forma humana."
Incarnation Dés
Combinando su pasión por la fórmula de exploración en la arquitectura teórica, comenzó a trabajar en los espacios, en tres series. La primera serie se fundamenta en el rectángulo utilizando la figura humana para articular ese espacio.
"En esta primera fase de la serie en tres partes, he decidido utilizar tradicional óleo sobre lienzo como mi medio. El borde del lienzo se convierte en el umbral, para articular el espacio en las dos dimensiones que necesitaba una imagen. La forma humana es la elección ideal, porque los límites del cuerpo humano se entienden universalmente, (...). En la segunda fase de la serie cuadrados estoy utilizando el tradicional óleo sobre lienzo como medio. En la fase final , tercera serie, los espacios serán grandes esculturas en bronce en cubos de 78", que se articularán de nuevo por la forma humana."
Incarnation Dés
13.11.08
Click here to "TRY DRUGS". Campaña de concienciación sobre el uso de las drogas.
Un colectivo de jóvenes voluntarios (menores de 25 años) de apoyo a drogodependientes de la ciudad noruega de Oslo, ha realizado una sugestiva y novedosa campaña de advertencia sobre la prohibición del consumo de estupefacientes y sobre los peligros y riesgos que causan en sus usuarios.
La campaña de sensibilización de la página web aporta una excelente diseño y un pop up interactivo emergente en la segunda página, donde nos muestra los efectos causados por ciertos tipos de drogas.
Para advertir sobre los efectos nocivos de la marihuana en el cerebro, el texto explicativo se muestra borroso fusionándose con la lentitud e incapacidad de maniobra del ratón. La representación de la adicción a la cocaína se consigue a través del ritmo y el descontrol del puntero enloquecido, así experimentamos una sensación de estúpida inquietud ante una pantalla esquizoide.
En su distribución digital, atraídos por la llamada "Haga clic aquí para probar las drogas" somos arrastrados hacia la institución impactados con la respuesta: "La utilización de todas las drogas está en contra de la ley", más adelante, información y apoyo a la dirección del colectivo y el mensaje a los no-consumidores: "Piense en lo que va a decir cuando alguien le pida que pruebe la droga".
La interactividad de las advertencias sobre los peligrosos efectos de estas sustancias, datos a través de los clics, la experiencia de recepción de los mensajes de una asombrosa eficacia y al límite de la conciencia sobre una realidad, muchas veces cercana, diferencian esta campaña de otras del mismo segmento, arrebatando con desnudo realismo y mensajes directos la conciencia del usuario .
Luis María Iglesia
La campaña de sensibilización de la página web aporta una excelente diseño y un pop up interactivo emergente en la segunda página, donde nos muestra los efectos causados por ciertos tipos de drogas.
Para advertir sobre los efectos nocivos de la marihuana en el cerebro, el texto explicativo se muestra borroso fusionándose con la lentitud e incapacidad de maniobra del ratón. La representación de la adicción a la cocaína se consigue a través del ritmo y el descontrol del puntero enloquecido, así experimentamos una sensación de estúpida inquietud ante una pantalla esquizoide.
En su distribución digital, atraídos por la llamada "Haga clic aquí para probar las drogas" somos arrastrados hacia la institución impactados con la respuesta: "La utilización de todas las drogas está en contra de la ley", más adelante, información y apoyo a la dirección del colectivo y el mensaje a los no-consumidores: "Piense en lo que va a decir cuando alguien le pida que pruebe la droga".
La interactividad de las advertencias sobre los peligrosos efectos de estas sustancias, datos a través de los clics, la experiencia de recepción de los mensajes de una asombrosa eficacia y al límite de la conciencia sobre una realidad, muchas veces cercana, diferencian esta campaña de otras del mismo segmento, arrebatando con desnudo realismo y mensajes directos la conciencia del usuario .
Luis María Iglesia
12.11.08
11.11.08
Catherine Opie.
Catherine Opie, “Bo” (1991), de las series “Being and Having” © 2008 Catherine Opie, courtesy the artist and Regen Projects
Catherine Opie, “Dyke” (1993), “Self-Portrait/Cutting” (1993), “Self-Portrait/Pervert” (1994), y “Self-Portrait/Nursing” (2004), de las series “Portraits" y “In and Around Home” © 2008 Catherine Opie, courtesy the artist and Regen Projects
El Museo GUGGENHEIM en Manhattan Upper East Side, muestra hasta el próximo 7 de enero, la retrospectiva "Catherine Opie: American Photographer", una amplia retrospectiva del trabajo de la fotógrafa de Ohio Catherine Opie. La exposición combina altas dosis de formalismo por un lado - en series como "Freeways", basada en las grandes avenidas de California o "Mini-malls", donde capta el ambiente de los centros comerciales de las distintas comunidades étnicas, su arquitectura y urbanismo - con temas no tan convencionales sobre la zona oscura y marginal de la sociedad. Opie muestra en sus últimos trabajos el interés por las comunidades underground de San Francisco y Los Angeles. En estas obras se centró especialmente en las comunidades queer y en la subcultura del tatuaje y la perforación. La artista se caracteriza en "Bo" con un exagerado vello facial para conseguir que su propio género sea aún más turbio y transmutable, exponiendo así la subjetividad de la violencia sexual y la ideología de género.
Maria Church
9.11.08
Fuck context. Rem Koolhaas
Tribute to Paul Klee
Tribute to William Blake
Tribute to Joan Brossa
La famosa frase de Koolhaas “Fuck context” será una oportunidad para hablar del arte y del espacio, y de la búsqueda de nuevas formas. La arquitectura, tal como la concibe Koolhaas, es una combinación de escritura artística, dirección, y artesanía. Para él, la arquitectura sostiene una relación muy estrecha con el arte, la literatura y el cine. Las imágenes que se muestran pueden ser un buen punto de partida para un debate entre la dicotomía entre arte y arquitectura contextual y un arte y una arquitectura en búsqueda de nuevas formas y métodos.
Los trabajos que se muestran han sido elaborados por el colectivo L. versus J.
Maria Church
Suscribirse a:
Entradas (Atom)
Entradas
