GamFratesi_After Calder

La labor del artista contemporáneo sigue la tradicional metodología de arrojar nueva luz al mundo, en un espacio que va más allá de la moral natural, introduciendo nuevas falsas imágenes, artificios que señalen la verdad del sistema, el espectáculo de la realidad, el despliegue escénico de lo real, en una tensa y productiva armonía. 

La búsqueda del equilibrio en nuestro espacio y en la vida es una necesidad perentoria. Las creaciones musicales, arquitectónicas, plásticas y las exploraciones en torno a nuestro entorno objetual han de recordarnos esa dirección. 

Los móviles que cuelgan del techo en la tradición de Alexander Calder, dividen mediante particiones simbólicas el espacio en zonas íntimas pequeñas. El proyecto del estudio GamFratesi pretende manufacturar estas esculturas artísticas, a través de la industrialización de sus componentes modulares. 

El equilibrio físico de los elementos permite composiciones con un número diferente de "pétalos" textiles, dando la posibilidad de generar diversas configuraciones. En la estructura del sistema se combinan tejidos y elementos modulares metálicos. Simultáneamente a la mencionada función de equilibrio, al constituirse como divisores simbólicos escultóricos, se une la función de absorción del sonido, cualidad que refuerza el encuentro con la armonía. 

En 2006, la arquitecta danesa Stine Gam y el arquitecto italiano Enrico Fratesi fundan la agencia Gamfratesi en Copenhague. el año 2007. 

El trabajo de GamFratesi se articula en torno a un diálogo constante y explorador, síntesis de sus respectivas culturas. Unión de la metodología escandinava, donde al íntimo conocimiento de los materiales se une a la simplicidad formal, con un marcado énfasis en la búsqueda conceptual. 

GamFratesi han recibido premios importantes, como el premio Elle Decoration International design award (EDIDA) para la categoría International Young Designer 2013, el premio Vico Magistretti de DePadova, el Good Design Award del Museo de Arquitectura Athenaeum de Chicago, el premio Best Danish Designer 2012 de la revista Bolig magasinet, el premio Walk the Plank 2009 y el premio Best Danish Designer 2009 de RUM.

Luis Mª Iglesia

gamfratesi.com

David Stewart _Five Girls 2014_2015 Taylor Wessing prize

“Five Girls 2014” es el título de la fotografía finalista del prestigioso premio 2015 Taylor Wessing. La historia de la fotografía es realmente curiosa. 

Su autor, el fotógrafo David Stewart la realizó como respuesta a otra imagen similar tomada en 2008 y que fue seleccionada ese mismo año. Explica David. "Fue una toma única a partir de una sugerencia de Alice, mi hija, situada a la izquierda con una camiseta azul. Todas las chicas estaban cerca de casa, así que fue una buena oportunidad para tomar una imagen análoga a la que yo hice hace seis años". 

David dispara con una cámara de gran formato -película de 8 × 10 - traslada un "mayor sentido de la realidad a la imagen. Los datos son claros y se vuelven más importantes”. En la fotografía aparecen cinco jóvenes sentados tranquilamente alrededor de una mesa, mirando distraídamente y rodeado de recipientes vacíos de ensalada y de café, y móviles. "Las chicas eran fáciles de fotografiar porque estaban siendo ellas mismos", explica. Las diferencias entre las imágenes son sutiles, es en los detalles donde las diferencias son más notables, los cortes de pelo, el cambio en la elección de las bebidas y comestibles, ensaladas y sushi por hamburguesas. Una progresión desde la infancia a la edad adulta. 

"Siempre he tenido una fascinación por la forma en que las personas interactúan o en este caso, dejar de interactuar". La idea inicial que hay detrás de la imagen era la de transmitir la interconexión antisocial. "Ellas están desconectadas entre sí ... pero la imagen también mantiene referencias a otras cuestiones de la adolescencia como la moda, los grupos de chicas y la comida”. "Aquí las chicas están físicamente muy cerca, su estilo y su ropa similares enfatizan la pertenencia a un mismo grupo, pero hay un elemento de distancia entre ellos. "Esta distancia dota a la imagen de una sensación extraña, pero lo extraño es algo que David vislumbra. "Es la gente y la cultura que veo a mi alrededor todos los días y que influye en mi trabajo. No hay nada más extraño que lo que veo en la vida real, por eso mis fotografías parecen un poco surrealistas". 

David empezó fotografiando a turistas en el paseo marítimo de Morecambe, así como bandas como The Ramones y The Clash. Aún mantiene su pasión en la fotografía con el foco situado en la gente, en sus actitudes y comportamientos, pero es la juventud la que indudablemente le ha intrigado. "Los adultos jóvenes de hoy parecen muy diferentes a cuando yo tenía su edad. Parecen inseguros, en permanentemente búsqueda de algo a seguir, agobiados por la tecnología, obsesionados con lo que otras personas están haciendo ". 

"Es mi trabajo pasado el que informa mi nuevo trabajo y traza la ruta de acceso a la materia de un nuevo objeto inexplorado."  David Stewart

Maria Church

www.davidstewwwart.com

Alyssa Pheobus Mumtaz_Patrones chamánicos

La artista americana Alyssa Pheobus Mumtaz (Maryland, 1982) ha vivido y trabajado entre Lahore, Pakistán, Nuevo México, Nueva York, Mexico y Washington DC. Es licenciada en artes visuales en la Universidad de Yale (2004) y su MFA en la Facultad de Arte de la Universidad de Columbia (2008). 

Sus obras han sido exhibidas internacionalmente con el apoyo de organizaciones como la New York Foundation for the Arts, Dieu Donné, the Ucross Foundation, Triple Canopy o el Santa Fe Art Institute. Sus obras han recibido reseñas en diferentes medios de comunicación, Modern Painters, Art in America y el New York Times. 

Actualmente ha empezado a impartir clases en las facultades de la Universidad de Virginia y la Universidad George Washington, ahora está trabajando en proyectos expositivos en Delhi y Mumbai. Su obra esta representada por la galería Tracy Williams, Ltd., New York. 

Los intrincados dibujos de Alyssa Pheobus Mumtaz se despliegan como una abstracción geométrica aunque dotados de un cierto lirismo simbólico de carácter místico. El diseño de sus patrones revela un proceso meditativo profundo en las formas y en los procesos, como se puede observar en la delicadeza de los trazos y la incorporación de exquisitas texturas. 

Como si de viejos totems se tratase, su labor profundiza en los movimientos de los trazos entre lo que parecen patrones impresos de tejidos rituales y esquemas de plantas de edificios sacros. Las formas y espacios ideados de Pheobus Mumtaz son laberínticos, con formas alternadas positivas y negativas y simultánea ritmos estáticos y dinámicos, metáforas geométricas de unos principios al borde del colapso, como en las series: “Games of Providence” y “Origen, Departure” y que son finalmente resueltos en un perfecto equilibrio. 

Muchas de sus abstracciones geométricas representan el agua como un ritmo visual angular; otros aluden a ella mediante la propia textura y color que dota de elegantes cualidades sensoriales a través de los papeles artesanales que utiliza. Sus naves viajeras se constituyen como trascendentes arquetipos pese a su aparente deriva contingente y su fragilidad. 

Las imágenes totémicas funcionan como un dispositivo antropológico, sus ritmos geométricos se ven muy ligeramente empañados, si nos fijamos bien, con discretas manchas e interrupciones que aplica para dotar de una pátina, que parece fruto de un proceso de ritualización chamánico. 

Maria Church 

alyssapheobus.com

Alexey Morosov_alegorías contemporáneas

Alexey Morosov (1974) se graduó en la Academia estatal Surikov Instituto de Arte de Moscú (taller de Lev Kerbel). En 1999 se fue a Provenza para estudiar escultura clásica y terracota francesa.

Después de un año, Morosov inició su colaboración con el artista Timur Novikov, fundador en San Petersburgo de la Nueva Academia de Bellas Artes. En 2003 realizó dos exposiciones individuales en San Petersburgo: en la Galería IND-137 - “Craft Deco_classic”, y en la Nueva Academia – “Craft Deco_academic”.

En Moscú la obra del artista se ha mostrado en varias exposiciones colectivas, y está representado por la Galería Triumph. En 2011-2012 plasmó en una exposición individual un ambicioso proyecto con más de 48 esculturas, pinturas y obras gráficas que formaron parte de la muestra titulada "Antología".

Hoy en día, Alexey Morosov vive y trabaja en Moscú. Morosov cree que la civilización europea debe tener mas en cuenta su pasado y revisar sus posiciones ante a la alegoría, el mito y las escenas históricas con el fin de descubrir nuevos significados.

Las obras Morosov manifiestan que las formas clásicas aún no han muerto, y que las tradiciones y las innovaciones pueden y han de cohabitar.

M. Church

morosovart.com