Peter Zumthor gana el Premio Pritzker 2009

La Capilla Brother Klaus. Cerca de Colonia

Las casas gemelas ’Raeth’, diseñadas por Zumthor en 1983 y construidas en Haldenstein, Suiza

Fachada del museo Kolumba, en Colonia, Alemania

El arquitecto suizo Peter Zumthor es el ganador del Premio Pritzker, el máximo galardón en el mundo de la arquitectura, algo así como el premio Nobel de la arquitectura.

Imágenes de la fachada y el interior del edificio de las Termas de Vals

Zumthor, de 65 años, se convierte en el tercer arquitecto suizo que recibe el Pritzker. El galardón, anunciado por la fundación estadounidense Hyatt, que está dotado con 100.000 dólares (unos 75.000 euros) le será entregado el próximo 29 de mayo en Buenos Aires. El condecorado, que durante 30 años ha trabajado en la remota localidad suiza de Haldenstein, se une así a un elitista club de arquitectos como Philip Johnson, Frank Gehry, Oscar Niemeyer y Zaha Hadid, quienes recibieran el premio en ediciones anteriores.

Peter Zumthor, en 2008, recogiendo la medalla imperial otorgada por el Emperador de Japón

Zumthor es uno de los galardonados con una trayectoria menos ostentosa. Su obra llama la atención por su simplicidad visual, su trabajo con materiales puros y sensuales, incluida la madera y las rocas autóctonas, y por la cuidadosa integración en el paisaje urbano o natural. Entre sus obras destacan los lujosos baños termales de Vals, que abrieron sus puertas en 1996 tras diez años de trabajo, y que es considerada su obra maestra.

Su estilo se ha ganado el calificativo de purista, con unas líneas tan simples que recuerdan a la filosofía Zen. El jurado destacó la humildad e integridad de su estilo y su énfasis en principios arquitectónicos básicos.

Thomas J. Pritzker, presidente de la Fundación Hyatt de Los Angeles, que organiza el premio, ha indicado que con este galardón pretenden reconocer el trabajo del arquitecto suizo, de carácter atemporal: "Tiene el talento de combinar un pensamiento lúcido y riguroso con una dimensión realmente poética que otorga a sus obras una inspiración novedosa".

“En las habilidosas manos de Zumthor, como en las de otros artesanos consumados, los materiales son usados en una manera en la que se celebran a sí mismos, sus cualidades únicas, todo al servicio de una arquitectura de permanencia”, “Su arquitectura expresa respeto por la primacía del lugar, el legado de una cultura local y las lecciones inestimables de la historia arquitectónica”, destacó el jurado.

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Página oficial del Premio Pritzker

Por Amor Al Arte_Nach y Cres

Vía: DJ Dedos. d2 DJ Dedos

Enunciados sobre arte conceptual. Sol LeWitt (1968)

Installation view of Sol LeWitt's Wall Drawing #260 at The Museum of Modern Art, 2008, Sol LeWitt (American, 1928-2007), Wall Drawing #260, 1975, Chalk on painted wall, Dimensions variable, Gift of an anonymous donor, © 2008 Sol LeWitt/Artists Rights Society (ARS), New York, Photo: © Jason Mandella.

Sol LeWitt. Splotch #22, 2007. Acrylic on fiberglass. ca. 148 x 96 x 86 inches. Virginia Museum of Fine Arts, Richmond. The Sydney and Frances Lewis Endowment Fund, and partial gift of the artist and Pace Wildenstein in honor of Frances Lewis and in memory of Sydney Lewis. © Virginia Museum of Fine Arts and courtesy of the estate of Sol LeWitt

1. Los artistas conceptuales son místicos más que racionalistas. Saltan a conclusiones a las que la lógica no puede llegar.
2. Los juicios racionales repiten juicios racionales.
3. Los juicios ilógicos conducen a una experiencia nueva.
4. El arte formal es esencialmente racional.
5. Los pensamientos irracionales deberían seguirse absoluta y lógicamente.
6. Si el artista cambia de opinión a mitad del camino de la ejecución de la pieza, compromete al resultado y repite resultados previos.
7. La voluntad del artista es secundaria al proceso que inicia de idea a su finalización. Su voluntad puede sólo ser el ego.
8. Cuando palabras tales como pintura o escultura son usadas, connotan una tradición entera e implican una aceptación consecuente de dicha tradición, colocando de este modo limitaciones al artista que dudaría en hacer un arte que vaya más allá de las limitaciones.
9. El concepto y la idea son diferentes. El primero implica una dirección general mientras que el segundo es el componente. Las ideas implementan al concepto.
10. Las ideas por sí solas pueden ser obras de arte; están en una cadena de desarrollo que eventualmente puede encontrar alguna forma.
11. Las ideas no necesariamente proceden en un orden lógico. Puede iniciarse una que va en direcciones inesperadas, pero una idea necesariamente debe se completada en la mente antes de que se forme la siguiente.
12. Para cada obra de arte que se vuelve física hay muchas variaciones que no lo hacen.
13. Una obra de arte puede entenderse como un conductor de la mente del artista a los espectadores. Pero puede que nunca llegue al espectador, o que puede que nunca deje a la mente del artista.
14. Las palabras que van de un artista a otro pueden inducir una cadena de ideas, si comparten el concepto.
15. Ya que no hay forma que sea intrínsecamente superior a otra, el artista puede usar cualquier forma igualmente, desde una expresión de palabras (escritas o verbalizadas) a la realidad física.
16. Si las palabras son usadas, y éstas proceden de ideas sobre el arte, entonces son arte y no literatura, los números no son matemáticas.
17. Todas las ideas son arte si se conciernen con el arte y caen dentro de las convenciones del arte.
18. Uno comprende por lo regular el arte del pasado, aplicando las convenciones del presente, de este modo malinterpretando el arte del pasado.
19. Las convenciones del arte son alteradas por obras de arte.
20. El arte que logra algo cambia nuestra comprensión de las convenciones al lterar nuestras percepciones.
21. La percepción de ideas nos lleva a nuevas ideas.
22. El artista no puede imaginar su arte y no puede percibirlo hasta que esté completo.
23. Un artista puede percibir incorrectamente una obra de arte (comprenderla de manera distinta al artista), pero aun puede iniciar su cadena de pensamiento a partir de esa malinterpretación.
24. La percepción es subjetiva.
25. Puede que el artista no necesariamente comprenda su propio arte. Su percepción no es ni mejor ni peor que la de otros.
26. Un artista puede percibir al arte de otros mejor que al suyo.
27. El concepto de una obra de arte puede involucrar la materia de la pieza o el proceso.
28. Una vez que la idea de la pieza se establece en la mente del artista, y la forma final se decide, el proceso se lleva a cabo a ciegas. Hay muchos efectos secundarios que el artista no puede imaginar. Estos pueden ser usados como ideas para nuevas obras.
29. El proceso es mecánico y no debería ser alterado. Debe tomar su propio rumbo.
30. Hay muchos elementos que se involucran en una obra de arte. Los más importantes son los más obvios.
31. Si un artista usa la misma forma en un grupo de obras y cambia el material, se supondría que el concepto del artista tuvo que ver con el material.
32. Las ideas banales no pueden ser rescatadas por vía de una ejecución bella.
33. Es difícil estropear una buena idea.
34. Cuando un artista aprende demasiado bien sus habilidades termina haciendo arte habilidoso.
35. Estos enunciados comentan sobre el arte, pero no son arte.

Extraído de la revista Art-Language, Vol. 1, No. 1 (1969).

Motoi Yamamoto. Laberinto de sal

Motoi Yamamoto, Labyrinth, 2005

Motoi Yamamoto, Labyrinth, 2005

Motoi Yamamoto, Labyrinth, 2005

Motoi Yamamoto, Labyrinth, 2006

Vía: Booooom, Motoi Yamamoto

Yu-Chieh Cheng. C.O.L.A. PIECE. “Dancing Mother Courage”

“Dancing Mother Courage” es solo una investigación coreográfica con temas como feminismo y marcialidad. La investigación me ha llevado a preguntas sobre las relaciones de las mujeres a las culturas marciales. Mis primeros estudios han tratado sobre los arquetipos culturales, las mujeres guerreras, en contraste con las pacifistas, así como las feministas en contra de la guerra. Estoy interesado en la posibilidad de una salida de esta dualidad, una 3 posición. Las rígidas consecuencias de los arquetipos de la agresión y pacifismo sugieren certeza moral. La incertidumbre moral parece más realista en términos de nuestra experiencia.
El drama teatral de Bertolt Brecht, Mother Courage and Her Children implica al personaje central en una “disociación” en una tercera posición, no es un guerrero o un pacifista en el sentido convencional. De esto habla en esencia mi proyecto. La expresión de la incertidumbre de los caracteres morales, y es el fundamento de mi “Dancing Mother Courage”.

Yu-Chieh Cheng

Las obras del coreógrafo taiwanés Cheng Chieh-Yu exploran cuestiones como la diáspora de Asia y los estereotipos que se tienen sobre el lejano oriente, sus exploraciones atraviesan temas tales como las adscripciones de género, sociales, políticas, culturales, y su creciente hibridación. Su audaz y provocativa obra nos muestra imágenes con un gran desarrollo cinético que se construyen a partir de una danza muy corporal, una técnica que podríamos llamar posmoderna que es fusionada con el arte marcial del Tai Chi Chuan y Ba Gua Zhang.

Maria Church

YU DANCE THEATRE

C.O.L.A. 2009 Pressroom

Maria Lassnig. La novena década

Der Weltzertrümmerer (The World Destroyer), 2001.

Bugbear 2001.

Don Juan d'Austria, 2001.

(Ausschnitt) Madonna of the Pastries, 2002.

Adam und Eva mit Apfel (Adam and Eve with Apple), 2003.

Du oder ich (You or Me), 2005.

Adam and Eve in underwear 2005.

Couple 2005.

Lady in Plastic 2005.

Spell 2005.

Sport is Duty 2005.

The Power of Fate 2006.

The Illegitimate Bride 2007.

Maria Lassnig es una de las más importantes pintoras austriacas contemporáneas. Con ocasión de su 90 cumpleaños el “MUMOK”, el Museo de arte contemporáneo de Viena dedica una amplia muestra sobre su extensa producción, con especial énfasis en la labor de sus últimos diez años. La primera parte muestra grandes pinturas de una gran diversidad en temas donde cobra un protagonismo especial el color. Al paso de los años su obra, que siempre ha gozado de una intensa vitalidad e imaginación, realiza un radical giro hacia el cuestionamiento de sí misma, utiliza enérgicos contrastes de color en mismo límite del sarcasmo.

Su pintura nos muestra la intransigente revelación de su propio cuerpo y de su propio estado de ánimo, reactualizando anteriores temas. De nuevo aparecen en su obra combinaciones de humanos y animales. En "Adam und Eva” toma imágenes de desnudos de la academia de dibujo de su tiempo y explora la relación entre los sexos con una profunda ternura erótica, así como de la relación de hostilidad- agresividad. En la serie “Kellerbildern” toma modelos envueltos en plástico transparente para expresar una nueva corporeidad idóneas para expresar situaciones de fuerte carácter psicológico.

Maria Church

MUMOK: Maria Lassnig del 13 de febrero al 17 de mayo de 2009.

FIN - Marina Nuñez. MUSAC

En el Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León MUSAC, se muestra "FIN", el último trabajo de la artista palentina Marina Nuñez.

Hasta el 21 de junio podremos ver en las salas 2.1-2.2, la muestra "FIN", comisariada por Tania Pardo.
La muestra se compone de más de veinte vídeos y una gran instalación pictórica en torno a la nueva condición humana o pos-humanización, según la cual atendería a un proceso de superación de algunas características de lo humano que han perdido funcionalidad. Núñez nos introduce en un mundo devastado, poblado por larvas insólitas y mares devastados, una escenografía apocalíptica que nos recuerda a algunos pasajes del Bosco.

Núñez rastrea lo que podríamos llamar la nueva condición del cuerpo humano como yuxtaposición tecnológicamente viable de elementos de la ingeniería genética y de mecanismos electro-químicos de base biológica o nanotecnológica. La unidad e ideal del cuerpo se transmuta para pasar a ser un ensamblaje, una porosa y compleja red de elementos inestables en un cuerpo híbrido cuyas fronteras se disuelven entre las redes de información y el mundo.



La muestra se organiza en torno a cuatro polos, comenzando con la proyección, en cuatro pantallas de plasma, de cráneos mutantes de cristal negro que reflejan, distorsionándolos, distintos rostros, reflexión sobre los límites entre la normalidad y la deformidad.


El vídeo titulado Ocaso recorre un paisaje marítimo con restos corporales, embotellados en columnas de vidrio que ocupan filas en lo que parece una necrópolis infinita. La siguiente instalación se compone de ocho proyecciones, el Hombre de Vitruvio, de Leonardo, se ha metamorfoseado en un ser anómalo que arde, fin de la razón y del hombre universal, que no es otra que fin del ideal.


La cuarta instalación consiste en once proyecciones, las imágenes de unas calaveras deformes aparecen como fósiles erosionados por el tiempo. En su interior parecen palpitar parásitos, en lo que sería un germen de nuevos seres. Una arqueología del futuro.


La última instalación, en clave pictórica, también está realizada digitalmente ofreciéndonos una perspectiva basada en las pinturas de El Bosco que nos embute en un mundo en donde el ser humano sólo es un vestigio –una ciudad en ruinas. Una distopía en la que la se ha producido una absoluta desintegración de una era precedente ciberpunk.

Luis María Iglesia

MUSAC ::: Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León

“Las histéricas, medusas, momias, monstruas o cíborgs, que pertenecen a ese bando de los anormales, son sin duda una redundancia, un añadido de locura, perversidad, enfermedad o monstruosidad para aquellas que ya son definidas como poseedoras de una razón escasa y turbia y de unos cuerpos grotescos y descontrolados. En ese sentido, intentan poner en evidencia que el cuerpo e identidad femeninos son anómalos según la mirada masculina que los ha construido. La representación de lo monstruoso, de lo disonante, de lo repudiado es, como explica Remo Bodei, una forma de denunciar la violencia excluyente del canon, que bajo su apariencia bella e inocua esconde la persecución implacable de lo diferente.”

Marina Núñez

Podéis visitar su página de YouTube donde encontraréis más videos

Science of Fear_The Temper Trap

The Temper Trap es una banda de rock de Melbourne, Australia, que comienza su carrera musical el año 2006. The Temper Trap atrajo a la industria musical después de un verdadero baño de multitudes en la Musexpo de Londres. La ecuación: La fantástica voz del cantante solista Dog, perfectamente vertebrada con la pulsión de unas grandes guitarras que consiguen construir una arquitectura atmosférica que parece ampliarse hasta el infinito y que golpea nuestros corazones.
Su tema "Science of Fear" fue remezclada por Drum & Bass artist Mistabishi, y apareció en Hospital Records podcast #79.

Incarnation Des

PIG

“PIG” es un corto codirigido por Rozz Williams y Nico B. en 1997. En él sólo participan dos actores, el mismo Rozz Williams, conocido por ser miembro del grupo de rock gótico “Christian Death” y James Hollan. Carece de diálogo y de un sonido inteligible, fue rodada en blanco y negro de 8 mm. y solo dura sólo 23 minutos.

La trama, es muy simple: Un misterioso asesino (Rozz Williams ) a quien nunca se le ve la cara (en alguna ocasión parece con una máscara de cerdo), auxiliándose de un antiguo libro de apariencia ocultista lleva a cabo una dolorosa tortura sobre su víctima (James Hollan), un delgado y temeroso joven de cara vendada, en una vieja casa en medio del yermo desierto.

Por su concepción, que recuerda a un “Perro andaluz” de Buñuel y Dalí, su radicalismo y el extremismo artístico en el uso de los materiales y el cuerpo humano, que asimismo resuena al accionismo vienés, “PIG” es considerada por muchos una producción rayana en lo moralmente sostenible. Aún así, el espectáculo que despliega ante nosotros es sin duda hipnótico, una pesadilla surreal de agresión y destrucción, de sinsentido y de exceso cercano a la enfermedad mental, con una escala general densa e incómoda insuflada además por una banda sonora, del mismo Rozz, que trae a la memoria a Lynch y que recoge las obsesiones y las aprensiones de Rozz Williams, lo esotérico y lo catártico.

Luis María Iglesia

Aktionismus

Otto Mühl. Nahrungsmitteltest, 1966.

Rudolf Schwarzkogler. 2. Aktion, 1965.

Hermann Nitsch. Kreuzwegstation, 1960.

Günter Brus. Die Zerreißprobe, 1970-72.

El accionismo vienés es un fenómeno que se distinguió de los demás movimientos y modalidades de acción, el happening, la performance y el Fluxus, que surgieron en la década de los sesenta y los setenta por su profunda vocación en la exploración de los límites del lado oscuro de la vida o como diría Lou Reed “the dark side of life”, en la vanguardia más dramática del body art.
¿Qué límites? Los límites físicos del soporte, del objeto y de la propia acción del artista su presencia corporal y su mente, los límites del instinto, la psique, la razón, el dolor, el sexo, la cultura, la historia y la sociedad.
¿Y para qué? Para violar, para lanzarse contra las barreras y sondear las zonas tenebrosas y insólitas, de lo “superestructuralmente” vedado, para retozar en nuevos territorios que prometían satisfacciones extraordinarias.

El llamado accionismo vienés se desarrolló en Viena alrededor de los años 1960-72, y aunque de procedencias y personalidades diversas, estuvo formado fundamentalmente por los artistas Günter Brus, Otto Mühl, Herman Nitsch y Rudolf Schwarzkogler, además de escritores como Oswald Wiener y Gerhard Rühm responsables del término “Aktionismus”.

Aktionismus, acción o reacción contra el lenguaje, contra la dictadura del “logos” o razón, “logocentrismo” que concibe el ser como una identidad y una presencia originaria reductible a su expresión lingüística, como si mediante la palabra se diera de forma inmediata, otorgando de esta manera a la palabra una forma privilegiada de conocimiento - según Derrida-, contra el arte como contemplación, como reflexión, como conocimiento y contra el arte en su condición especulativa, contra su necesidad de entrega a una presencia objetual.

El Aktionismus como pura acción se sitúa en la misma psique que es también el mismo cuerpo, en el núcleo germinal de la creación artística: caos, anarquía, energía, catarsis y destrucción, que son también los cimientos del ser primigenio, predomesticado, prelinguístico. Por eso ensucian con fluidos corporales, rasgan, seccionan y amputan la carne, para alterar las formas establecidas de conciencia, exploran los recovecos de la sexualidad y la aniquilación. Por eso supusieron un grave ataque a la sociedad, a su moral, religión, sus leyes y costumbres, en la Austria de posguerra en el tejido de las revoluciones del mayo del 68.

El arte como terapia y liberación de las represiones sexuales, tanáticas y agresivas y el arte como política, como transformación del mundo son dos de sus vías de acción y lo hacen a través de la ritualización del autocastigo del artista, lo que le abre la dimensión de un arte terapéutico purificador y la explicitación de las líneas inconscientes que han sido reprimidas por la cultura.

Su objetivo es la demolición de la identidad en la no-identidad, hacer visible lo invisible. Y sólo desde esa Aktion el artista (contra-artista) podrá acceder a la libertad, o imaginaria libertad, raja o incisión abierta por Sade, Kafka, Kubin, Artaud, Baudelaire, Rimbaud, Genet y Bataille. Una raja que también es abismo, un sublime y escalofriante abismo romántico.

Por eso el Aktionismus se revela como un amasijo -de energía primigenia– de expresionismo, exitencialismo - Marcuse- y romanticismo –tal vez fueran los últimos románticos- a través de un rito de metamorfosis dionisiaca – Freud, Jung, Reich- y demiúrgica – Nietsche, Deleuze y Spinoza- que sólo es posible atravesando lo abyecto, la sangre, el dolor y el sexo atenazado para una transustanciación que se torne en redención y regeneración.

Luis María Iglesia

GÜNTER BRUS
ACCIÓN 9, AUTOMUTILACIÓN III, 1965.

“Yazco blanco en blanco en una habitación blanca.
Yazco en blanco en blanco en un servicio blanco.
Defeco blanco en blanco en una oficina de policía blanca entre policías blancos.
Hago un discurso blanco en blanco en la cámara blanca del parlamento entre miembros blancos.
Predico en una iglesia blanca blanco en blanco.
Secciono mi mano derecha. En algún lugar yace un pie. Una sutura en el hueso de mi tobillo presiono una chincheta en mi columna vertebral. Clavo un dedo del pie a un dedo de la mano. Los pelos del pubis, brazo y cabeza yacen en un plato blanco. Rajo la aorta con una cuchilla de afeitar. Golpeo una tachuela de acero dentro de mi oreja. Corto a lo largo de mi cabeza en dos mitades. Inserto un alambres de espino en mi uretra y dándole vueltas intento cortar el nervio. Muerdo un grano y lo succiono. He fotografiado y grabado todo”

(Wienner Aktionismus 1960-1971, op. Cit. P. 118)

Wehrertüchtigung-Military Training. Otto Mülh. 1967.

Underworld Born Slippy

Via: Maria Church

TETRIS humano. Performance de Guillaume Reymond

Vlad The Impaler. KASABIAN

Kasabian es una banda de rock británica formada en la ciudad de Leicester (Inglaterra) en 1999. El grupo está compuesto por el vocalista Tom Meighan, el guitarrista Sergio Pizzorno, el bajista Chris Edwards y el baterista Ian Matthews.

El grupo tomó su nombre de Linda Kasabian, la joven embarazada que condujo el coche en que huyó Charles Manson tras la matanza en la casa de Sharon Tate esposa de Roman Polansky. Además Kasabian significa carnicero en armenio, muy apropiado para una banda con un estilo ecléctico.

Desde sus comienzos la banda fue comparada por la crítica con bandas como Stone Roses, Primal Screem y Oasis. La banda tomo gran popularidad desde 2004 en el Reino Unido.

El próximo 8 de junio, Kasabian publicará su nuevo álbum The West Rider Pauper Lunatic Asylum. Como primer adelanto de este disco, la banda británica lanza y regala el explosivo Vlad The Impaler (Vlad el empalador, el personaje en el que se basa el mito de Drácula).

The West Rider Pauper Lunatic Asylum, será el tercer álbum de Kasabian que se publica tras vender más de 700.000 ejemplares de su primer disco y 900.000 de Empire, su segundo trabajo. Kasabian volverán a los escenarios el próximo 27 de marzo como cabeza de cartel en el Royal Albert Hall de Londres dentro del evento Teenage Cancer Trust, después de tres conciertos de calentamiento en Margate, Preston y Leeds, cuyas entradas se vendieron en pocos minutos.

Estefanía Velasco

CA2M – Centro de Arte Dos de Mayo. Bestué/Vives

Las dos últimas instalaciones de los catalanes David Bestué y Marc Vives, La confirmación (2008) y Acciones en el Universo (2007), perteneciente ésta última a la serie de cuatro acciones que ha conformado el trabajo de los dos jóvenes artistas en los últimos años, son el reclamo principal de la exposición Bestué/Vives: cisnes y ratas, que puede verse en este centro dependiente de la Comunidad de Madrid hasta el próximo 3 de mayo.

La confirmación es un paso adelante en el trabajo de Bestué/Vives, en el que retoman y desarrollan muchas de las ideas que se plantearon anteriormente, como el binomio doméstico/universal, el uso de su propio cuerpo y la voluntad de generar una interrogación sobre las cuestiones básicas de la existencia humana. Así, el vídeo muestra un viaje iniciático del protagonista, un joven adulto que se enfrenta a una serie de situaciones personales.

Por su parte, Acciones al universo es una instalación cuya disposición remite a un túnel del terror o “pasillo experimental” y que está dividida en once estancias. En un primer bloque, de cinco salas, se explora la realidad física en una trayectoria ascendente desde lo microscópico hasta lo cósmico; mientras que en un segundo bloque, se traza un recorrido por diferentes nociones filosóficas y psicológicas que parte de lo universal y culmina con la desintegración de conceptos y sistemas.

Además, también se podrán ver referencia a estos trabajos en Acciones en Mataró (2002), Acciones en casa (2005) y Acciones en el cuerpo (2006), siendo la base de estas “Acciones” la revisión por bloques de los temas tratados por la tradición artística del siglo XX, dejando un margen para incorporar los imaginarios personales de Bestué/Vives.

Así, el conjunto de la exposición sumerge al espectador en una narrativa compleja, llena de saltos cronológicos y repleta de citas culturales.

Vía: Incarnation Des

2 de Mayo

"Pues sí, Kafka era un realista"

Ilustración: Ana Ventura

«Tras encarcelarlo de noche en Budapest en 1956, conducirlo rápidamente en coche con las cortinillas echadas a un aeropuerto militar desconocido, llevarlo en un avión sin emblema a un país ignoto y tras llegar al fin a una villa de apariencia palaciega situada junto a un mar rutilante, en la que viviría medio como huésped oficial ceremoniosamente agasajado, medio como presidiario, pero siempre sin saber en absoluto dónde se encontraba, Georg Lukács comentó: "Pues sí, Kafka era un realista"».

Georg Luckás fue filósofo y crítico literario. Sus teorías estéticas, que sobre todo abordaron la literatura, se estructuran mediante un modelo binario, en un sistema dialéctico en cual el arte está en estrecha relación con las contradicciones de la sociedad.

Su interpretación humanista del marxismo se opuso al determinismo económico e intentó una integración con el concepto de subjetividad del pensamiento de Hegel. Fue muy crítico con el estalinismo por subordinar la teoría a la práctica e imponer el dominio de la burocracia.

FRITZ J. RADDATZ, Georg Lukács, Alianza, Madrid, 1975, p 103.

Muse - New born(M/V)

Via: Incarnation Des