Fabrice Monteiro_La Profecía

Fabrice Monteiro es un fotógrafo que en otro tiempo fue modelo, y que actualmente reside en Dakar, Senegal. Su última serie, "La Profecía", se centra en la devastación ambiental en Senegal, con una serie de imágenes que ofrecen los modelos ataviados con vestimentas hechas a mano por diseñador senegalés de moda Doulsy [Jah Gal]. 

Sus figuras espectrales están imbuidas de un fondo animista, cada una pone el acento de la composición ante una serie de escenarios devastados, por la contaminación provocada por el hombre moderno.

El proyecto fue financiado a través de un acuerdo de cooperación con Ecofund , que fue sede de un sitio de crowdfunding que recaudó 12.557 euros (superando la meta original de 10.000 euros), con el objetivo común de tomar conciencia sobre los riesgos de la degradación del medio ambiente en lugares como Senegal, Australia, etc.

Making-Of du Shooting de la 1ère photo de la série "The Prophecy".
Photographe : Fabrice Monteiro.
Mannequin : Khady Bâ.
Stylisme & Fabrication de la robe : Jah Gal.
Réalisation & Post-Production : Troisième Face Productions.

Un corto documental de 20 minutos dirigido por Marcia Juzga, y la crónica del trabajo y los emplazamientos del proyecto fue presentado, en el Festival de Cine Africano de Nueva York 2015. Fue mostrado como parte de un programa doble de 62 minutos junto al documental de Sandra Krampelhuber 100% Dakar , que trataba sobre la escena artística de los jóvenes en Dakar, y en el que aparecen los diseñadores de moda (incluyendo Doulsy), los raperos y artistas de graffiti cuyas obras han gozado un fuerte impacto en la cultura y la política de Senegal.

Maria Church

fabricemonteiro.

Shirin Neshat_Turbulent_Hirshhorn Museum

El interés de Shirin Neshat por la música, como una gran herramienta artística, revela el deseo de la utilización de un material de gran poder emocional de carácter universal. Neshat espera que su trabajo vaya mas allá del mero símbolo, y que actué como medio y lenguaje artístico en si mismo, una forma renovada que trascienda las lecturas históricas de una obra disidente que sin duda destapa los velos y maquillajes de los discursos, de los hechos, de las razones, de las verdades, de la historia y del complejo humano.

Con “Turbulent” de 1998, compuesta por la cantante iraní Sussan Deyhim, la música se convierte en una metáfora central de la complejidad de las relaciones de género en Irán. Ambas escenas de un mismo auditorio, que parece el de un polideportivo, son proyectadas de forma simultánea en las paredes opuestas de la instalación, el varón con el público masculino a un lado y la mujer ante un auditorio vacío agudizan algo que va más allá de una una dicotomía visual y musical.



Después de que el hombre, el artista iraní Shoja Azari, visto directamente desde el frente, canta una canción en la tradición clásica iraní con la aprobación de toda la audiencia masculina, la mujer (que tienen prohibido cantar solas ante el público en Irán) deconstruye la lógica de la música y de la sociedad mientras canta ante un auditorio vacío. Sin palabras, ella comienza con un zumbido grave, desplazándose pasmosamente a sedimentos impredecibles de destilaciones guturales, aullidos estridentes y glissandos vertiginosos en un canto armonioso pero inquietante.

Al contrario del cantante masculino, ella parece estar inspirada más por una abrumadora emoción que, por el control y el dominio técnico; a medida en la que la interpretación se intensifica la cámara gira a su alrededor mostrándonos una visión dramatizada de su rostro y sus manos. El canto progresa de una manera soberbia, extraña y estrepitosa, dirigiéndose al núcleo de nuestra capacidad sensitiva, atravesándonos mediante una actuación visceral y perturbadora; la expresión de un dolor, un lamento que no abandona su soberanía y la búsqueda de su liberación.

Maria Church

“Shirin Neshat: Facing History”. 20_8_2015 Hirshhorn Museum. Washington, DC.

hirshhorn

Nancy Lorenz_Estratigrafías

Las obras de arte pueden leerse como palimpsestos, a través de la lectura las acciones que han ido dejando huella a lo largo del proceso, o su premeditada ausencia. También es posible mirar e interpretar como lo hace la estratigrafía, una observación de las capas y los residuos que han ido dejando esas mismas acciones, y que se han sumado como una combinación de veladuras ubicadas en una determinada disposición. 

El trabajo de Nancy Lorenz satisface esas lecturas al menos en varios ámbitos, Lorenz exterioriza los pausados procesos creativos, combinando materiales y técnicas que proceden de categorías estéticas derivadas de la esfera habitualmente separada de las Bellas Artes como son las antiguas artesanías tradicionales, tanto de Europa como de Japón, en donde las obras de artesanía son tratadas con la misma reverencia que las obras de arte. 

Y sin duda, algo tiene también que ver su formación como grabadora, donde los procesos y procedimientos alquímicos son tan importantes. 

Las obras de Nancy Lorenz parecen combinar asimismo, elementos del expresionismo abstracto, con referencias al informalismo español y a la pintura matérica de posguerra, no es aventurado pensar en la huella del gran calígrafo y pintor Shiryû Morita y su grupo Bokunjinkai, como no lo es tampoco remitirnos a las tradiciones europeas ornamentales que desarrolló el modernismo europeo, al que se superponen capas e incrustaciones de madreperla, pan de oro y plata y cobre, lacado y técnicas de dorado al agua, materiales de uso frecuente en la artesanía japonesa. 

Sus artefactos consuman un complejo estrato de sedimentos sólidamente arraigados en las formas abstractas expresionistas, elementos tomados de la pintura del paisaje y patrones ornamentales de diferente cuño, que se superponen unos a otros, desdibujando los contornos del arte “normativo” y las artes decorativas. 

Después de vivir en Japón, Nancy Lorenz obtuvo un BFA en Pintura y Grabado en la Universidad de Michigan. En 1988 recibió su MFA en Pintura por la Escuela de Arte Tyler, estudiando en Filadelfia y Roma. Lorenz recibió un premio John Simon Guggenheim en 1998, y participó en el artista Cill Rialaig en el programa de residencia en Irlanda en 2008, 2010, y 2012. Vive y trabaja en Nueva York. 

Maria Church 

nancy-lorenz.com

“Mantén el tablero cerrado, de lo contrario podrías enfadarte conmigo”

Díptico, óleo sobre tabla, 58,5 x 44 cm (cada panel). Artista Flamenco anónimo, sobre el año 1520, Galería Wittert. Universidad de Lieja. Bélgica. 

Antes de ser abierto, en el primer tablero que funciona como frontispicio, aparece un personaje sonriente sosteniendo una filacteria en la nos advierte: “Mantén el tablero cerrado, de lo contrario podrías enfadarte conmigo”. 

Si animados por la curiosidad abrimos el tablero, descubrimos en su reverso su descortés trasero flanqueado por una de sus manos con un cardo entre las nalgas, ligeramente atascado por la prenda que ha dejado caer su dueño; en este caso el texto de la filacteria dice: “¡No es culpa mía, te avisé previamente!

En el tablero enfrentado, a la derecha, aparece un hilarante bufón ejecutando una grotesca mueca burlándose de nuestra curiosidad y desobediencia; esta vez el texto añade el proverbio: “Por más que queríamos prevenirte, tú has querido saltar por la ventana”. 

El significado general que hay detrás de las imágenes y del texto hoy día es difícil, dado que muchas de la imágenes estaban conectadas a proverbios y tradiciones orales que hoy se han perdido, pero podemos pensar que el artista y el patrón que encargó el díptico compartían una intención con rasgos humorísticos y moralizantes. 

Aunque este tema en concreto es inusual, es posible encontrar obras parecidas, obras de alcoba, con formato de díptico o tríptico para el disfrute y la reflexión privada, obras de Hieronymus Bosch y Quentin Metsys, a los que se acerca estilísticamente. El carácter moralizante es también muy claro. El cardo asoma entre las nalgas de la ropa y, sin duda simboliza el dolor, la defensa y la misantropía. Los proverbios funcionan como dispositivos que nos protegen de la tentación, de lo prohibido. La iconografía parece confirmarlo, pero plantea la interrogación sobre el azar del tema iconográfico para ilustrar el refrán, o la premeditación de un tema escatológico u homosexual. El cardo posee varios significados simbólicos. Por una parte es doloroso y desagradable pero a la vez puede ser entendido como un mecanismo de defensa. Es también el emblema de la mortificación y de la misantropía. A partir de esto pueden surgir múltiples lecturas. 

Maria Church

Bibliografía

Léon DEWEZ, Les peintures anciennes de la collection Wittert, Liège, 1949 (Bibliotheca Universitatis Leodiensis, n° 2), n° 11, p. 31. 

J. CHEVALIER (dir.), Dictionnaire des symboles, Paris, 1969, p. 174. 

Pascal JOANNES, Etudes par les méthodes scientifiques de tableaux appartenant à la collection Adrien Wittert, Université de Liège, mémoire de licence dactylographié, 1980-1981, p. 167-168. Serge ALEXANDRE, La peinture et la sculpture. La donation Wittert, dans DUCHESNE Jean-Patrick (dir.), Le Patrimoine artistique de l'Université de Liège, Liège, 1993, p. 30. 

Timothy HYMAN, Roger MALBERT, Carnivalesque, catalogue d'exposition, Londres, Hayward Gallery, 2000. 

www.wittert.ulg.ac.be/

UterusMan_Lu Yang

Si combinamos la estética de los mangas, los fabulosos poderes de los superhéroes, el entretenimiento de los videojuegos, y el contrapunto de la música electrónica, todo ello aderezado con el órgano reproductor femenino, el útero, aparecerá entonces UterusMan (2013). Una pieza audiovisual del artista Lu Yang (1984) que forma parte de la exposición colectiva "Inhuman" presentada en el Fridericianum de Kassel. 

Al igual que otros grandes superhéroes, el sujeto imaginario lleva una armadura con forma de útero, sus habilidades excepcionales y sus avanzados dispositivos comprenden entre otros la "blood energy flying ", que le permite volar, el “baby meteo hammer”, un bebé monstruoso que el héroe usa como arma para luchar contra los villanos para salvar a un hipotético mundo futuro de una crisis de la evolución, así como el poder de alterar las funciones hereditarias que pueden cambiar el género del enemigo, o instantáneamente despertar una enfermedad genética para debilitarlo. 

Absurda y empapada de un tenebroso sentido del humor, este trabajo está dotado de un formidable flujo de detalles, y planteamientos que abordan desde cuestiones ocultas sobre la orientación sexual, la genética, la reproducción, hasta los insondables problemas de la evolución". 

El proyecto ha sido lanzado como una animación en 3D, juego en línea, y varias modalidades a través de colaboraciones de código abierto.

Maria Church

Wu Tien-Chang_Nunca digas adiós_La Biennale di Venezia

Nacido en Taiwán en 1956. Graduado por el Departamento de BB. AA. de la Universidad Cultural China en 1980. En los años 80, Wu utilizaba signos, símbolos y narraciones y los combinaba con su propia interpretación de la historia reexaminando la sociedad, la historia y la política con pinturas bidimensionales. Entonces era visto como un pionero que rompía tabúes tras el levantamiento de la ley marcial en Taiwán.

En los años 90, él empieza a utilizar como soporte la fotografía, utilizando técnicas mixtas como paños de terciopelo brillantes, lentejuelas y luces de Navidad para crear series fotográficas dentro de lo que podríamos llamar el "Taike" o estilo estético taiwanés.

A principios de 2000, impresionado por la precisión, el perfilado y la posibilidad de realizar asociaciones visuales plásticas con las imágenes elaboradas por el ordenador, comenzó a estudiar y aplicar técnicas de alteración y composición digital. Wu pinta los decorados, escribe los guiones, dirige la iluminación y la fotografía, asimismo dirige la actuación de los modelos con sus ropajes, de modo que las naturalezas en conflicto se funden en un estilo visual escalofriante y opulento a través de la puesta en escena fotográfica. 

Desde 2010, busca integrar las imágenes en movimiento, el espacio teatral y la creación de instalaciones interactivas para que ofrezcan una recreación lúdica elaborada de forma artesanal. A través de técnicas ancestrales y la filmación de alta velocidad, evoca una atmósfera misteriosa a través de asociaciones de aspecto extraño y un carácter visual ornamental.

Evento colateral de la 56ª Exposición Internacional de Arte - La Biennale di Venezia
09.05.2015__11.22.2015
Lugar de celebración
El Palazzo delle Prigioni. Venecia. Italia.

Tien Chang Wu ha realizado un buen número de exposiciones individuales y participado en numerosas exposiciones colectivas. Sus obras han sido expuestas en las bienales de Taiwán (2008, 2014), Taipei (1994, 1996 y 1998) y Venecia (1997), en el Fukuoka (1999) y Trienales de Asia-Pacífico (1996, 1999), en el Centre des Artes de Enghien-les-Bains en Francia (2007), el K-18 Mutual Acknowledgement Exhibition, Kassel (1992), el Museo de Arte Contemporáneo de Taipei (2014), el Centro Ullens de Arte Contemporáneo, de Beijing, el Arte Nacional Museo de China (2009), el Centro Cultural de Taipei, Nueva York (2008), Arte de Hong Kong, Arte de Beijing y Shanghai Art (2008 y 2011), festivales de fotografía internacionales en Pingyao en la provincia de Shanxi, Guangzhou y Hong Kong (2004, 2007 y 2008), y en la exposición "Fotografía contemporánea china" en Praga (2003). Recibió el Premio New Trend Prize de Contemporary Art Trends (1986) otorgado por el Museo de Bellas Artes de Taipei, el Primer Premio de la Bienal de Taipei de Arte Contemporáneo (1994), el Premio de Creación de la Fundación Li Chung-Shun (1998) y el Premio Especial del Jurado de los 7th Taishin Arts Awards (2009).

Maria Church

Arco_ Madrid_2015

Das Meisterstück_Matthias Schaller

Hace ya un tiempo me topé por internet con una paleta de un gran maestro, puse toda mi atención dado que para mí guardaba una especie de secreto sobre la forma personal de organizar los colores, de sistematizar los procesos a la hora de mezclar, de disponer los vínculos entre unos tonos y otros. Y más aún, si pensaba en las analogías que podían establecerse con su obra pictórica, una especie de introspección de su intimidad, una información extra de su motricidad expresiva (es posible distinguir en algunos casos los diestros y los zurdos), en fin un autorretrato indirecto que podía ser desvelado.

"Pierre Bonnard"

"Paul Cézanne"

"Camille Corot"

"Gustave Courbet"

"Edgar Degas"

Ahora, el gran fotógrafo Matthias Schaller a través de su serie fotografías monumentales “Das Meisterstück” (Cada fotografía es de aproximadamente 190 x 140 cm.) nos muestra 180 paletas de más de 70 artistas europeos, descubiertas en los archivos de museos y colecciones privadas con la ayuda de historiadores de arte y comisarios artísticos, familias de artistas y amigos. 

Su trabajo de recopilación se inició en 2007 y nos proporcionan un testimonio histórico, la apertura de nuevas ventanas a sus genios creativos. 

Matthias Schaller ve cada paleta como la pintura inconsciente, o la pintura antes de la pintura. La paleta como un panorama abstracto de los procesos mentales, de los movimientos y estrategias de los pintores.

"Eugène Delacroix"

"Paul Gauguin"

"Alexei Jawlensky"

"Édouard Manet"

"Henri Matisse"

Matthias Schaller (Dillingen, Alemania, 1965) vive entre Venecia y Nueva York. Cursó estudios de Antropología Cultural en Hamburgo, Gotinga y Siena y recibió el Premio Ci Art en 2004. 

Ha retratado a fotógrafos y arquitectos en sus estudios (serie Werkbildnis I y II) y fotografiado las mesas de los cardenales de la Curia Romana en el Vaticano (Purple Desk), los recovecos de Venecia y su Gran Canal (Controfacciata), 150 teatros italianos (Fratelli d’Italia), las paletas de artistas (Das Meisterstück), trajes originales de astronauta (Disportraits) o la arquitectura de Oscar Niemeyer (As Curvas).

"Paula Modersohn-Becker"

"Claude Monet"

"Gustave Moreau"

"Alphonse Mucha"

"Edvard Munch"

"Emil Nolde"

"Camille Pissarro"

"Pierre-Auguste Renoir"

"John Singer Sargent"

"Giovanni Segantini"

"Georges Seurat"

Henri de Toulouse-Lautrec

"J.M.W. Turner"

"Vincent van Gogh"

"Édouard Vuillard"

"Piet Mondrian"

"Francis Bacon"

"Balthus"

"Max Beckmann"

"Georges Braque"

"Marc Chagall"

"Salvador Dalí"

"Giorgio de Chirico"

"Alberto Giacometti"

"Natalia Goncharova"

"Asger Jorn"

"Frida Kalho"

"Ernst Ludwig Kirchner"

"Paul Klee"

"Yves Klein"

"Oskar Kokoschka"

"Albert Marquet"

"Joan Miró"

"Giorgio Morandi"

"Pablo Picasso"

"Gino Severini"

"Cy Twombly"

Con motivo de la 56ª Bienal de Venecia. Algunas de sus fotografías se podrán ver hasta el 7 de Junio en la Fondazione Giorgio Cini en el Refectorio de la Isla de San Giorgio Maggiore de Venecia.

Fotografías: copyright Matthias Schaller

Cortesía

Der Akademie Künste, Berlín / Casa Giorgio Morandi, Bolonia / Casa Salvador Dalí, Portlligat / Collezione Nicola del Roscio, Gaeta / Hugh Lane Municipal Gallery, Dublín Ensorhuis, Oostende / Fundación Alberto y Annette Giacometti, París / Fondazione Amedeo Modigliani, Roma / Fondazione Ida e Giorgio de Chirico, Roma / Fundació Pilar i Joan Miró, Palma / Museo Municipal, Den Haag / Lenbachhaus, München / Musée d'Orsay, París / Musée du Louvre, París / Musée Gustave Courbet, Ornans / Musée Jenisch, Vevey / Musée Marmottan Monet, París / Museo Nacional Eugène Delacroix, París / Musée National Fernand Léger, Biot / Museet Edvard Munch, Oslo / Museo Frida Kahlo, Ciudad de México / Museu Picasso, Barcelona / Museo Jorn, Silkeborg / Museo Sammlung Rosengart, Luzern / Nadace Mucha v Praze, Praha / Nolde Stiftung, Seebüll / Privatsammlungen / Sammlung Eberhard W. Kornfeld, Berna Sammlung Eberhard W. Kornfeld, Davos Segantini Museum, St. Moritz / Tate Britain, Londres / El Museo Metropolitano de Arte, Nueva York Ciudad / La Fundación Pierre Matisse y Tana, la ciudad de Nueva York / La Royal Academy of Arts, Londres / Archivos Yves Klein, París / Zentrum Paul Klee, de Berna

El copyright de las paletas

Pierre Bonnard, Emil Nolde, Henri Matisse, Lyonel Feininger, Giacomo Balla, Albert Marquet, Maurice de Vlamnik, Paula Moderohn-Becker, Gabriele Münter, Paul Klee, Franz Marc, Ernst Ludwig Kirchner, André Derain, Mikhail Larionov, Pablo Picasso, Carlo Carra ', Natalie Gontschorova, Albert Gleizes, Georges Braque, Gino Severini, Amedeo Modigliani, Max Beckmann, Diego Rivera, Oskar Kokoschka, Marc Chagall, Ferdinand Léger, Giorgio de Chirico, Jean Cocteau, Giorgio Morandi, Naum Gabo, George Grosz, Joan Miró, René Magritte, Alberto Giacometti, Salvador Dalí, Frida Kahlo, Balthus, Francis Bacon, Nicholas de Stael, Asger Jorn, Yves Klein, Cy Twombly

Maria Church

http://www.matthiasschaller.com/ 

http://www.cini.it/en/events/das-meisterstuck