Mari Fuanki_Presencia de lo inexpresable

Mari Funaki (1950-2010) es una conocida artista japonesa asentada en Australia cuya obra en el espacio se ha desarrollado a través de la escultura en metal y la joyería. Funaki llegó a Australia en 1979. Después de estudiar orfebrería en RMIT, vio la necesidad de crear un espacio expositivo -“Galería Funaki”- dedicada a la joyería contemporánea.

Meticulosamente construidos, sus objetos y joyas poseen una inmediatez que sólo pueden surgir de una profunda y larga reflexión.

La galería Funaki abrió sus puertas en 1995 y proporcionó una importante plataforma para los joyeros de Australia, incluyendo a Robert Baines, Julie Blyfield, Marian Hosking, Johannes Kuhnen, Carlier Makigawa, Mascha Moje, Sally Marsland, Blanche Tilden, Margaret West, Catherine Truman & Sue Lorraine. Al mismo tiempo que atraído a los principales joyeros del mundo como Warwick Freeman, Karl Fritsch & Lisa Walker, Manon van Kouswijk y Otto Künzli.

Al mismo tiempo, Mari Funaki mantuvo su propia carrera artística en metal y joyería. Sus objetos geométricos en acero dulce son expresión exquisita de su lenguaje personal. Funaki ha recibido el prestigioso Premio Herbert Hoffman en dos ocasiones, en 1996 y 1999, y fue seleccionada para el Premio de Australia Consejo Emérito en 2007.

Las piezas de Mari Funaki realizadas en acero dulce y levemente ennegrecidas, casi pavonadas en una penumbra mate, desprenden silencio y calma ante un equilibrio fino pero preciso. Parecen insectos que parecen tambalearse, pero sus oscuras caligrafías están fuertemente asentadas en la tierra.

Susan Sontag expresaba que “El arte es la objetivación de la voluntad en una cosa o realización, y la incitación o estímulo de la voluntad. Desde el punto de vista del artista, es la objetivación de una volición; desde el del espectador, es la creación de un decorado imaginario para la voluntad (…)”. Y añade que “(…) los elementos más poderosos de una obra de arte son, con frecuencia, sus silencios”*.

Pues bien, a través del silencio y la calma, los objetos de Funaki se establecen como presencia de lo inexpresable. De forma callada sus formas agitan nuestra capacidad asociativa y remueven nuestra memoria.

*“Sobre el estilo”. Susan Sontag. Traducido por Horacio Vázquez Rial

En Contra la interpretación y otros ensayos. Seix Barral, Barcelona, 1984.

Luis María Iglesia

www.galleryfunaki.com.au

Arte en la Luna_1969

En 1969, un círculo de artistas contemporáneos americanos idearon un plan para poner un museo de arte en la Luna. Cuando los canales oficiales de la NASA demostraron ser demasiado burocráticos, Andy Warhol, Robert Rauschenberg, David Novros, Forrest "Frosty" Myers, Claes Oldenburg, y John Chamberlain no se desalentaron. Al contrario, se las compusieron para colar su "museo" - en realidad una lámina de esmalte minúsculo inscrito con seis pequeños dibujos - en una de las patas del módulo de aterrizaje de la misión Apolo 12, el Intrepid.

El mini-museo, que recuerda a un chip de computadora paleo-moderna, incluye 6 obras: un dibujo de una línea ligeramente ondulada, cortesía de Rauschenberg, a su derecha un cuadrado negro con finas líneas que se cruzan y asemejan un circuito, de David Novros. Debajo la contribución de John Chamberlain, un patrón de plantilla, semejante también a un circuito. En la parte inferior una interpretación geométrica de Micky Mouse, de Claes Oldenburg. Myers aporta en la parte inferior izquierda, un dibujo generado por computadora de un "símbolo afín" llamada "interconexión". El último dibujo, en la parte superior izquierda, es de Andy Warhol, que el New York Times en el 69 tildó de "un garabato compuesto por las iniciales caligráficas de su firma," pero obviamente es un pene- cohete, que parece querer penetrar la virginal Luna, - recuerdo a Duchamp.

La idea para el Museo de la Luna surgió a través de una “brainstorming” planeado por Forrest "Frosty" Myers. Afirmó que "mi idea era conseguir reunir la obra de seis grandes artistas y hacer un pequeño museo con presencia en la luna." Myers probó varias veces para que su proyecto fuera aprobado por la NASA. Pero Myers afirmó que la agencia le dio evasivas por lo que ideó una fórmula para organizarlo de forma furtiva. 

Myers contactó con “Experiments in Art and Technology” (EAT), un grupo sin fines de lucro  que une artistas con ingenieros para crear nuevas obras. A través de EAT, Myers se introdujo en los Laboratorios Bell, específicamente a través de Fred Waldhauer. Usaron técnicas que normalmente se utilizan para producir circuitos telefónicos - los seis dibujos fueron reducidos y llevados al horno sobre láminas de cerámica iridio-plateado que medían apenas 4.3 "x 1 / 2" x 1 / 40 ".  Se crearon entre 16 o 20 de estas hojas, una para su inserción sobre el módulo de aterrizaje lunar y el resto, copias del original, entregadas a los artistas y otras personas involucradas en el proyecto.

La existencia de la obra no fue revelada hasta que Myers lo notificara a “The New York Times”, que publicó un artículo sobre la historia dos días después de que el Apolo 12 alunizara a la izquierda de la luna, y dos días antes de que amerizara en el Océano Pacífico.

Dudo como conceptuar ese gesto que bien podría inaugurar una nueva modalidad de arte, y que ha permanecido casi velado. Este es sin duda un guiño de aquellos artistas, en la creación de un acontecimiento cósmico, una intervención en el espacio exterior, una acción estética con una presencia aunque ilícita, irrevocable.

Pero debía ser así (como que alguien tenía que ser el que pintara el primer cuadro negro en la historia - Kazimir Malévich-), en la exploración del cosmos los objetivos no pueden ser necesariamente la búsqueda del conocimiento, sino también -como otra parte del comportamiento humano- el arte, el deseo de jugar y articular misterio y “Capital M” (human capital management). El cosmos inspira dudas, emociones y representaciones- la moneda de las artes.

El contexto y sus circunstancias son el nutriente de la exploración y la creatividad, así que ¿quién puede decir que los artistas, no han de asumir y poseer mayor presencia en nuestra comprensión del espacio?

Luis María Iglesia

Guía ilustrada para un doctorado

Matt Might, profesor de la Facultad de Informática de la Universidad de Utah, ha publicado su The Illustrated Guide to a Ph.D — o Guía ilustrada para un doctorado — donde, de forma gráfica, explica en qué consiste un doctorado.

Aquí va la traducción que ha realizado Ismael Peña-López, profesor de la Universitat Oberta de Catalunya, Facultad de Derecho y Ciencias Políticas. “PhD” son las siglas para “doctorado” en Inglés.

Imagina un círculo que contiene todo el conocimiento de la Humanidad:

 Cuando terminas la educación primaria, sabes un poquito:

 Cuando terminas la educación secundaria y el bachillerato, sabes algo más:

 Cuando te gradúas en la universidad, consigues una especialidad:

 Con un máster profundizas en dicha especialidad:

 La lectura de literatura académica te lleva hasta la frontera del conocimiento de la Humanidad:

 Una vez en el límite, te centras en un tema específico:

 Empujas el límite durante unos años:

 Hasta que, un día, el límite cede:

 Y esa mella que has hecho se llama doctorado (PhD):

 Por supuesto, el mundo te parece muy distinto ahora:

 Pero no olvides tomar perspectiva:

 Sigue empujando.

Luis María Iglesia

Remind me

Clarissa: - Dígame... ese número que llevan en la ropa, ¿qué significa?

Montag: - Ah, Fahrenheit 451

Clarissa: - ¿Por qué 451, y no 813, ó 121?

Montag: - Fahrenheit 451 es la temperatura a la que las hojas de los libros se prenden y arden.

Clarissa: - Quiero preguntarle otra cosa, pero no me atrevo.

Montag: - Pregunte.

Clarissa: - ¿Es cierto que hace mucho tiempo los bomberos solían apagar incendios en lugar de quemar libros?

Montag: - Vaya, su tío tenía razón. Sí está mal de la cabeza. ¿Apagar incendios? ¿Quién dijo eso?

Clarissa: - No sé, alguien. Pero, ¿es cierto?

Montag: - ¡Qué idea tan rara! Las casas siempre han sido incombustibles.

Clarissa: La nuestra no.

Montag: - Entonces... tendrá que ser declarada en ruinas un día de éstos. Habrá que destruirla y tendrán que irse a una casa incombustible.

Clarissa: - Qué pena. Dígame, ¿por qué quema libros?

Montag: - ¿Cómo? Bueno, es un trabajo como otro cualquiera. Un buen trabajo, con mucha variedad. El lunes quemamos a Miller, el martes a Tolstoi, el miércoles Walt Whitman, el viernes a Faulkner, y el sábado y el domingo a Schopenhauer y Sartre. Los reducimos a cenizas y luego quemamos las cenizas. Es nuestro lema oficial.

Clarissa: - Entonces no le gustan los libros.

Montag: - ¿Le gusta la lluvia?

Clarissa: - Sí, me encanta.

Montag: - Los libros son simplemente basura. No tienen ningún interés.

Clarissa: - ¿Y por qué hay gente que aún los lee, aunque sea tan peligroso?

Montag: - Precisamente porque están prohibidos.

Clarissa: - ¿Por qué están prohibidos?

Montag: - Porque leer libros vuelve infeliz a las personas.

Clarissa: - ¿De verdad cree eso?

Montag: - Sí. Los libros perturban a la gente. La vuelven antisocial.

Clarissa: - ¿Yo le parezco antisocial?

Montag: - ¿Por qué lo pregunta...?

(...)

Clarissa: - ¿Es usted feliz?

Montag: - ¿Cómo? ¡Claro que sí!

Fahrenheit 451 (1966)
François Truffaut

Maria Church

HERCZEG & KAEHR

El dúo artístico Joschi Herczeg y Daniele Kaehr provocan ilusiones lumínicas utilizando pirotecnia compleja. En su serie de explosiones, construyeron un detonador a medida, que está conectado y sincronizado a las cámaras a fin de realizar la instantánea en el momento de la explosión. Su embrujo reside en la captura del caos y el orden subsiguiente de congelación de una acción efímera. Las detonaciones fueron realizadas en el entorno cotidiano, en un guiño hacia las impresiones domésticas de incertidumbre y desasosiego.

Maria Church

12:31a.m

Las siguientes imágenes espectrales, no dejarán de serlo tras la explicación de su elaboración. 

Fueron confeccionadas a partir de los numerosos cortes del cuerpo del ejecutado Joseph Paul Jernigan, preso ejecutado que donó su cuerpo a la ciencia. Joseph Paul Jernigan fue ejecutado el 5 de agosto de 1993 a exactamente 12:31a.m., de ahí el nombre del proyecto. No estoy seguro si con estas imágenes encontrará la redención prometida.

La animación representa la combinación de datos completo (1871 cortes) del cadáver de sexo masculino del Visible Human Project. La animación se realizó mediante tratamiento informático. Las imágenes resultantes son de larga exposición "pinturas de luz" del cadáver entero. Las variaciones en el movimiento de la animación durante cada exposición crean diferencias en la forma del cuerpo en toda la serie.

Antecedentes

Joseph Paul Jernigan (31-I-1954/5-VIII-1993) fue condenado por asesinato en Texas y ejecutado por inyección letal a las 12:31.

En 1981, Jernigan fue condenado a muerte por apuñalamiento y tiroteo a Edward Hale, de 75 años de edad, quien lo descubrió robando un horno microondas. Jernigan pasó 12 años en prisión antes de que la última petición de indulto le fuese denegada. Su cadáver fue seccionado y fotografiado para el Visible Human Project en la University of Colorado's Health Sciences Center.

“Visible Human Project”

El “Visible Human Project” es un esfuerzo para crear una base de datos detallada que consiste en una serie de fotografías de la sección transversal del cuerpo humano, con el fin de facilitar la visualización de la anatomía humana. El cadáver de Jernigan fue envuelto y congelado en una mezcla de gelatina y agua a fin de estabilizar la muestra para el corte. La muestra se cortó en el plano axial a intervalos de 1 milímetro. Cada una de las 1.871 lonchas resultantes fue fotografiada tanto analógica como digitalmente. Esto se traduce en un volumen de datos de 65 gigabytes.

Las inquietudes

A instancias de un capellán de la prisión Jernigan había accedido a donar su cuerpo para la investigación científica o de uso médico, sin saber nada de “Visible Human Project”. Algunas personas han expresado su preocupación ética sobre esto. Una de las declaraciones más destacadas vinieron de la Universidad de Viena, que exigió que retirará de las imágenes las referencias entre las profesión médica y las ejecuciones y solicito una revisión del “consentimiento informado” del donante.

Takeshi Teraoka

www.project1231.com

Mandalas gestuales_Tony Orrico

Tony Orrico es un artista y Performer que concentra el dibujo y la acción en la construcción de mandalas antropométricos. Sus acciones, que pueden durar casi cuatro horas consecutivas, suponen sin duda un reto a la resistencia humana. La simetría y el orden tanto somático como espiritual desempeñan sin duda un papel importante en sus creaciones.

María Church

www.tonyorrico.com

La mujer que vengó al Che Guevara_Diego Levy

La mujer que vengó al Che Guevara
La historia de Monika Erlt.
Trailer del libro de Jürgen Schreiber editado por la editorial argentina "Capital Intelectual"

Vía: Maria Church

www.diegolevy.com
www.editorialcapin.com.ar

SE PIENSA_Thyssen_Málaga

C/ Compañía 10. Málaga

Julio Romero de Torres. “La Buenaventura”. 1922. Óleo sobre lienzo, 106 x 163 cm

Hace tan sólo tres semanas de la inauguración del Museo Thyssen de Málaga, y ya se ha desencadenado la pelotera. 

La directora, María López Fernández y el critico de arte Tomas Llorens, en calidad de asesor, han presentado la dimisión al Ayuntamiento de Málaga por "injerencias permanentes en su trabajo artístico por parte de la baronesa y del alcalde de Málaga".

José García Ramos. “Cortejo español”. 1885. Óleo sobre lienzo, 54,3 x 33,5 cm

En la carta de dimisión, Llorens – según publica el diario EL PAIS- expresa que se ha resuelto "convertir el puesto de director en director artístico, y atribuir a un gerente responsable ante el patronato las principales funciones ejecutivas del museo". Declara que se ha elegido como gerente "de modo discrecional y sin proceso de selección alguno" a un individuo (Javier Ferrer, jefe de gabinete del alcalde) que "carece de experiencia en la gestión de museos o instituciones artísticas, cuya ocupación profesional exclusiva a lo largo de los últimos años ha sido de naturaleza política".

Como sabemos, el dinero y la política nunca han sido ajenos al arte. Aunque también es cierto, que hay acciones decentes en la gestión de los bienes culturales que prueban la solidez de convicciones profesionales ajenas a la intrusión política y económica.

Ayer, de camino al Thyssen y en la misma calle, c/ Compañía 10, nos encontramos con un curioso cartel que invita a reflexionar y que al mismo tiempo parece expresar que en Málaga “SE PIENSA”.

Luis María Iglesia

www.carmenthyssenmalaga.org

須藤元気_Genki Sudo_WORLD ORDER_の"MACHINE CIVILIZATION"

MACHINE CIVILIZATIO_WORLD ORDER
Letra: Genki Sudo
Música: Genki Sudo / Takashi Watanabe

“World Order” ha publicado un energético video sobre uno de sus temas "Machine Civilization”, donde se despliega una insólita y genial coreografía que desarrolla un grupo de ejecutantes dirigidos por el “Sensei” Genki Sudo.

Genki Sudo describe el vídeo en Youtube con palabras, algo más o menos así:

Los desastres sin precedentes que se desarrollan en Japón, terremotos, tsunamis, y las tragedias nucleares van a constituir el germen de un cambio del porvenir. Esto es lo que pretendo expresar con “World Order”.

Los actuales desastres pueden ser interpretados como un punto de inflexión en la civilización. Creo que ha llegado ese momento, de un cambio, en el que han de estar comprometidos los sistemas políticos, la economía mundial y todas las personas de la actual sociedad para poder convivir en la Tierra.

(…) El mundo no va a cambiar. Cada uno de nosotros debe cambiar. Y si lo hacemos, entonces sí, el mundo cambiará. Las cosas son más oscuras justo antes del amanecer. Vamos todos a alzarnos para dar la bienvenida a un mañana que sea realmente brillante para la humanidad. TODOS SOMOS UNO.

Takeshi Teraoka

Descarga del tema:
www.genkisudo.net/dw_file/WORLDORDER_MACHINE%20CIVILIZATION.zip

www.hiroburo.com/archives/51169747.html

worldorder.jp/top.html

Francis Alÿs_Fabiola

El artista belga Francis Alÿs viene recopilando durante casi veinte años imágenes de Santa Fabiola. Los retratos son básicamente interpretaciones de aficionados sobre la pintura de Santa Fabiola, creación de 1885 del pintor alsaciano Jean-Jacques Henner (1829-1905), que fue pintor oficial del Segundo Imperio, de la III a República y conocido como uno de los últimos grandes románticos.

Francis Alÿs ha reunido más de 370 interpretaciones, realizados en una gran variedad de técnicas y materiales, pintura al óleo, guache, bordados, cerámica, talla en madera, esmalte, etc. Las piezas han sido adquiridas en tiendas de segunda mano, mercadillos y rastros de Europa y Sudamérica.

Francis Alÿs inició la presentación de la colección en 1994 en la ciudad de Méjico, fue seguida por Londres (Whitechapel Gallery, 1997), Nueva York (The Hispanic Society of America, 2007/2008), Los Ángeles (LACMA, 2008/2009), Londres (National Portrait Gallery, 2009), Burgos (Museo Nacional de Arte Reina Sofía - Exposición en el Monasterio de Santo Domingo de Silos, 2010) y ahora en el Schaulager de Basilea, después Lima, Perú será la próxima parada.

Francis Alÿs rechaza la concepción – claro vestigio de la presencia minimalista en la concepción de la producción y la recepción del arte – de la cámara blanca para su muestra. En su lugar, prefiere alojar su colección en lugares dotados de cierto contexto histórico.

Luis Mª Iglesia

Francis Alÿs_Fabiola

El Schaulager en Münchenstein, Basilea, Suiza. Desde el 11 de marzo de 2011.

http://schaulager.org/